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Best Confidential Awards 2009-2010: and the winners are

2010-07-31T16:21:00.000-07:00

Best Movie

Avatar di James Cameron

2 posto: Bastardi senza gloria di Quentin Tarantino

3 posto: Bright Star di Jane Campion

(A Serious Man - Il nastro bianco - Vincere - Coraline -

Il profeta - A Single Man - Nemico pubblico)

Best Director

Quentin Tarantino per Bastardi senza gloria
2 posto: Joel & Ethan Coen per A Serious Man

3 posto: Jane Campion per Bright Star

(Michael Haneke per Il nastro bianco - James Cameron per Avatar)

Best Actress

Abbie Cornish per Bright Star

2 posto: Michelle Pfeiffer per Chéri

3 posto: Meryl Streep per Julie & Julia / E' Complicato
(Saoirse Ronan per Amabili resti - Helen Mirren per The Last Station)

Best Actor

Colin Firth per A Single Man

2 posto: Joaquin Phoenix per Two Lovers

3 posto: Viggo Mortensen per The Road
(Michael Stuhlbarg per A Serious Man - Ben Whishaw per Bright Star)

Best Supporting Actress

Mo'nique per Precious

2 posto: Marion Cotillard per Nemico pubblico / Nine

3 posto: Julianne Moore per A Single Man

(Vera Farmiga per Tra le nuvole - Samantha Morton per The Messanger)

Best Supporting Actor

Christoph Waltz per Bastardi senza gloria

2 posto: Stanley Tucci per Amabili resti
3 posto: Alec Baldwin per E' complicato

(Woody Harrelson per The Messanger - Christopher Plummer per The Last Station)

Best European Movie

Il nastro bianco di Michael Haneke

2 posto: Il Profeta di Jacques Audiard

3 posto: Fish Tank di Andrea Arnold

(Lourdes - Il mio amico Eric)

Best European Act

Tahar Rahim per Il Profeta
2 posto: Katie Jarvis per Fish Tank

3 posto: Penelope Cruz per Gli abbracci spezzati

Best Italian Movie

Vincere di Marco Bellocchio
2 posto: La prima cosa bella di Paolo Virzì

Best Italian Act

Giovanna Mezzogiorno per Vincere
2 posto: Valerio Mastandrea per La prima cosa bella
3 posto: Stefania Sandrelli per La prima cosa bella

Best My Heart Confidential

Chéri di Stephen Frears
2 posto: A Single Man di Tom Ford
3 posto: Bright Star di Jane Campion

(Coraline - Amabili resti)

Il lato nero dell'America: "The Blind Side" e "Precious"

2010-07-31T03:24:00.001-07:00

Per una volta onore alla distribuzione italiana che si è ben guardata dal fare uscire in sala due patacche clamorose come The Blind Side (edito da poco direttamente in dvd) e Precious. Un’esclamazione chiaramente provocatoria, dovuta all’enorme, spropositata considerazione riservata in America a queste due pellicole sia dal pubblico (The Blind Side ha incassato più di 250 milioni di dollari!) che dalla critica (Precious figura in quasi tutte le liste dei migliori film dell’anno). Non si tratta di opere pessime (anche se Precious, sotto alcuni aspetti, lo è), soltanto ampiamente sopravvalutate. Oltre che speculari e solo all’apparenza contrapposte.

The Blind Side (tratto da una storia vera) è convenzionale, un classico dramma a sfondo sociale in puro Hollywood style con i soliti ingredienti messi in fila uno dietro l’altro (la giusta dose di ironia, attento bilancio tra patetismo ed asciuttezza, alternanza di dramma e commedia e l’ennesima celebrazione della perfetta famiglia americana e dell'importanza dell’istruzione per conseguire il successo) ma perlomeno non è pretenzioso. Sandra Bullock, con la sua innegabile simpatia e il suo charme quotidiano, funziona ed è l’unica ragione per seguire il film fino in fondo. Nel ruolo della generosa Leigh Anne Tuhoy, madre e moglie perfetta incline per natura ad aiutare il prossimo (accoglie in casa il giovane senzatetto afro-americano Michael Oher destinato a diventare un campione di football) la Bullock ha il piglio giusto, quel mix di ironia, grinta e trattenuta compassione che fa centro. L’Oscar come miglior attrice, però, è francamente troppo.

Discorso diverso merita Precious, Based on the Novel Push by Sapphire. L’incredibile calvario della sedicenne afro-americana Precious (Gabourey Sidibe) in quel di Harlem nel 1987 è raccontato con un gusto per gli aspetti più miserabili a dir poco discutibile e morboso, ed è rappresentato con uno stile così ricco e sovraccarico di effetti (flou, ralenti, fotografia patinata, camera a mano che vorrebbe scimmiottare il cinema verità, montaggio da videoclip) che contrasta in modo fastidioso e stridente con la materia trattata.

Tutto comincia quando Precious, obesa, analfabeta e vittima di abusi domestici (il padre la violenta; la madre, alcolizzata e disoccupata, la picchia e la tortura psicologicamente) scopre di essere per la seconda volta incinta del padre (il primo figlio, soprannominato “Mongo”, è affetto da sindrome di Down). Viene così sospesa da scuola ed inserita in un programma di recupero per ragazze disadattate nella speranza che, attraverso un’istruzione, possa finalmente dare una svolta alla sua vita. Difficile se il padre che ti ha stuprata e messo incinta due volte è malato di aids e ti ha passato il virus dell’hiv. E se hai una madre mostruosa che ti maltratta oltre ogni possibile immaginazione. L’unica via d’uscita per la povera Precious è la fantasia ed alcuni dei momenti più interessanti del film sono proprio quelli in cui entriamo nella sua immaginazione; e cosa può sognare una ragazzina sfortunata, derisa e vilipesa, se non la ricchezza, il successo, i riflettori del mondo dello spettacolo?

Con un tema del genere ci voleva un rigore ed una sensibilità che Lee Daniels non ha (ed è stato candidato all’Oscar...). Il regista invece sguazza pesantemente al fondo della miseria, calcando la mano il più possibile laddove il senso comune chiederebbe di alleggerire e cercando di strappare verità dalle sue attrici attraverso insistiti primi piani che hanno un che di pornografico. E a salvare la baracca ci provano (e ci riescono) proprio le attrici: Gabourey Sidibe, perfetta nell’esprimere l’opacità coriacea e l'immensa sofferenza di Precious e soprattutto Mo’nique, in una performance sensazionale che le è valsa tutti i premi del mondo. Quando è in scena lei non puoi guardare da nessun altra parte, tanto è impressionante e spaventosa.

The Blind Side: 6

Precious: 5/6

Lezioni di poesia con Jane Campion

2010-07-30T01:41:00.000-07:00

"Una cosa bella è una gioia per sempre. Cresce di grazia, mai passerà nel nulla" (Keats, Endimione)

Come Bright Star abbia potuto mancare tutte le nomination principali all'ultima edizione degli Oscar (a parte quella, meritatissima, per i costumi di Janet Patterson) resta una mistero. E come l'Academy abbia potuto preferire all'ultimo lavoro di Jane Campion il più convenzionale An Education (per citare il titolo più vicino per gusto e sensibilità) insieme ad un paio di altri film decisamente meno degni (leggi The Blind Side e Precious, di cui parlerò a breve) è una vergogna. Qualcuno dica a Jane Campion che Bright Star non avrà avuto fortuna agli Oscar ma è stato immediatamente inserito nelle canditature ai Best Confidential Awards 2009-2010 come miglior film, miglior regia, miglior attrice e miglior attore. Oltre a figurare nella cinquina Best My Heart Confidential che annovera i miei titoli preferiti della stagione appena conclusa: Coraline, Chéri, A Single Man e Amabili Resti.

"Una poesia deve essere compresa attraverso i sensi", "lenisce l'animo e lo incita ad accettare il mistero", dice il giovane poeta Keats alla neo allieva Fanny nel corso della loro prima lezione di poesia. Ed è attraverso i sensi che va esperito e compreso un film come Bright Star: luminoso e puro come il suo titolo, come le parole di Keats, come il volto sublime di Abbie Cornish.

La tormentata storia d'amore tra John Keats, orfano senza rendita e dalla salute cagionevole, e la vicina di casa Fanny Brawne, ricamatrice dal temperamento forte, caparbio ed indipendente nonché musa del poeta nei suoi ultimi anni di vita (1818-1821), offre a Jane Campion l'occasione per un film fuori dal tempo e dalle mode, perfettamente ancorato nello stile visivo (trasparente) e nel passo narrativo (piano e silenzioso) all'idea di amore romantico espressa nelle poesie di Keats. Il risultato è un gioiello assoluto di misura, rigore e grazia, all'altezza dei capolavori dell'autrice neozelandese, Lezioni di Piano e Ritratto di Signora.

Ma se nei film precedenti la Campion sviscerava la dimensione selvaggia e carnale dell'amore o quella dell'amore come violenza e fascinazione/sottomissione psicologica, in Bright Star è l'amore vagheggiato attraverso la sublimazione poetica a costituire il centro del discorso. Non c'è spazio per la fisicità, se non in brevi fugaci momenti (elettrizzanti) ma questo non vuol dire che il dolore e la passione non siano ugualmente lancinanti. Tutto passa attraverso la magia della parola poetica, che si tratti di un poema appena composto o di una lettera che tiene avvinti gli amanti ad un sogno, una promessa, l'attesa di un ritorno. Una parola poetica che non è mai stata così sensuale e così abilmente tradotta in immagini.

La Campion taglia inquadrature-capolavoro con la luce così come Fanny ricama e taglia tessuti e Keats compone architetture di parole. Arte. Il film non corre mai il rischio dell'esercizio di stile e dell'accademismo proprio perché ogni immagine ha una densità ed una compenetrazione di forma e contenuto che toglie il fiato. Nessun movimento di macchina gratuito. Nessun momento narrativo o artificio registico superfluo. Ma Bright Star funziona perfettamente anche come rasserenato ed al tempo stesso dolente melodramma su un amore imbevuto di poesia e destinato, come tale, a scontrarsi con il mondo prosaico (la condizione economica di Keats che non gli permette di sposare Fanny, l'avversione del suo tutore, Charles Brown, la malattia). E come tale è dominato da un'eroina volitiva ed orgogliosa che lotta fino alla fine per restare vicina al suo amato.

Ben Whishaw sembra nato per incarnare John Keats, ma l'anima del film è Abbie Cornish. La Campion è sempre stata magistrale nel dirigere le sue attrici fino ad un livello di eccellenza. E dopo Hunter, Kidman e Winslet, non smentisce il proprio dono con la Cornish: radiosa, misurata e potente, alterna l'orgoglio, la spigolosità e la schiettezza salottiera delle prime scene ("Il mio cucire ha più merito ed ammiratori degli scarabocchi di entrambi. Ed io posso ricavarci denaro", sentenzia verso Brown e Keats) ai fremiti dell'amore in tutte le sue fasi, tra dolcezza, paura, estasi ed abbandono. Fino all'epilogo, indimenticabile, senza dubbio tra i finali più belli dell'anno (e bello quanto la corsa di Nicole/Isabel Archer nel finale di Ritratto di Signora): la reazione di Fanny alla notizia della morte di Keats è una scena di devastante intensità (e rigore registico da manuale) e la Cornish avrebbe meritato l'Oscar solo per questo momento. L' immagine della carrozza funebre in una Piazza di Spagna mai così deserta è raggelante. Ed è magnifico l'ultimo primo piano su Fanny che cammina nel bosco vestita di nero e recita tra le lacrime i versi del suo amato.

"Ristorati ed imperlati dal piacere", applaudiamo in silenzio.

Venezia 2010 lancia i suoi assi

2010-07-29T09:34:00.000-07:00

Il presidente della Giuria sarà Quentin Tarantino. A giudicare con lui i film del concorso ci saranno Guillermo Arriaga, Danny Elfman, Gabriele Salvatores, Luca Guadagnino, Arnaud Desplechin e Ingeborga Dapkunaite.

E' stato annunciato stamane in conferenza stampa a Roma alla presenza del direttore Marco Muller il programma della 67esima Mostra del Cinema di Venezia. Tra i film in concorso, oltre a Black Swan di Aronofski, anche Somewhere di Sofia Coppola, l'atteso Miral di Julian Schnabel, Promises Written in Water di Vincent Gallo e gli ultimi lavori di François Ozon, Tom Tykwer, Alex De La Inglesias e Monte Hellmann. Nutritissima la pattuglia italiana con La solitudine dei numeri primi di Saverio Costanzo, La pecora nera di Ascanio Celestini, Noi credevamo di Mario Martone e La passione di Carlo Mazzacurati.

Fuori concorso spazio a The Town, opera seconda di Ben Affleck, Sorelle mai di Marco Bellocchio (con Alba Rohrwacher e Donatella Finocchiaro), Vallanzasca di Michele Placido, Machete di Robert Rodriguez, The Tempest di Julie Taymor.

Nella sezione Orizzonti spiccano i nomi di Guillermo Arriaga, Catherine Breillat e Manoel De Oliveira. Potete consultare il programma completo del Festival al link

http://www.labiennale.org/it/cinema/mostra/film/film.html

Tony Awards 2010: Hollywood actors on top

2010-07-29T08:40:00.000-07:00

Dopo aver messo il blog in stand-by per quasi due mesi (sulle motivazioni di un simile letargo chiedete al mio analista) sono costretto a recuperare il tempo perduto e a ricapitolare velocemente sui grandi eventi dello show businness americano di cui non ho potuto fare una cronaca tempestiva. E così, dopo le candidature agli Emmy, è necessario un breve post sui Tony Awards, assegnati all'inizio di giugno, se non altro perché la cerimonia ha visto trionfare più che mai le star di Hollywood.

Catherine Zeta-Jones, raggiante ed incontenibile, ha vinto come miglior attrice per il musical A Little Night Music. Le manca solo un Emmy per entrare nella ristretta rosa degli attori insigniti dei tre premi principali dello spettacolo a stelle e strisce (Oscar, Tony ed Emmy). Vince sempre al primo colpo la Zeta-Jones. E' l'immagine sputata dell'ambizione, della sicurezza, del successo. E della fortuna. Ma come musical performer è magnifica.

Scarlett Johansson ha ritirato il premio come miglior attrice non protagonista per la sua performance in Uno sguardo dal ponte di Arthur Miller. Se pensavate che la sua immagine fosse appannata state certi che il Tony funzionerà da ottimo trampolino per il rilancio della sua carriera. Una carriera pronta a spiccare il volo è sicuramente quella di Eddie Redmayne, miglior attore non protagonista per Red. Era il disturbatissimo figlio gay di Julianne Moore in Savage Grace ed è in pole position per il ruolo principale in War Horse di Spielberg, previsto per il 2012.

Infine Denzel Washington e Viola Davis (indimenticabile in Doubt) hanno trionfato come miglior attori per Fences (miglior revival di un'opera in prosa). La Davis ha sconfitto così Laura Linney (nominata per Time Stands Still), che si vede soffiare sotto il naso Oscar e Tony uno dietro l'altro (ma può consolarsi con l' Emmy vinto lo scorso anno per la miniserie John Adams).

Emmy nomination: dominano "Mad Men" e "Glee"

2010-07-29T03:38:00.000-07:00

Va bene, lo ammetto. Sono leggermente in ritardo ma non posso non postare nulla sulle candidature agli Emmy Awards, annunciate lo scorso 8 luglio, ora che da Damages a Mad Men fino a True Blood i serial tv americani stanno diventando la mia nuova passione (e qualcuno mi suggerisce caldamente di dare un'occhiata anche a Dexter).

Tra le serie drammatiche Mad Men (terza stagione) fa ancora una volta incetta di nomination: miglior serie, miglior attore (John Hamm) ed attore non protagonista (John Slattery) e pioggia di candidature sulle magnifiche attrici principali, January Jones (lead) e Christina Hendricks ed Elizabeth Moss (supporting). Non era mai successo che venissero nominate tutte e tre. A volte Dio esiste.

Tra le altre drama series si confermano Dexter (nomination come miglior serie e miglior attore, Micheal C Hall), Lost (miglior serie ed attore protagonista, Matthew Fox) e The Good Wife (serie, attrice Juliana Marguiles ed attrice non protagonista Christine Baranski). Successo anche per Breaking Bad (miglior serie ed attore Bryan Cranston). True Blood è l'unica serie nominata che non riesce a strappare nessuna candidatura per gli attori (il cast in realtà è strepitoso, ma lo script lo è ancora di più).

Hugh Laurie di Doctor House continua a collezionare nomination come miglior attore ma la serie non entra nella cinquina delle migliori dell'anno. Stessa cosa dicasi per Damages stagione 3 (in questi giorni la serie è stata confermata per altre due stagioni di dieci episodi l'una) , ma Glenn Close (lead), Rose Byrne (supporting) e Martin Short (lead) sono tutti candidati. Anche quest'anno Kyra Sedwick è nominata per The Closer. Anche basta.

Tra le comedy series trionfo annunciato del fenomeno Glee: nomination nelle categorie miglior serie, attrice (Lea Michelle), attore (Matthew Morrison), attrice non protagonista (Jane Lynch) ed attore non protagonista (Chris Colfer). Nurse Jackie conferma il successo di Edie Falco dopo The Sopranos (miglior serie e miglior attrice). The Office ottiene la candidatura come miglior serie e per il miglior attore, il lanciatissimo Steve Carell, ed anche 30Rock non dà cenni di appannamento e colleziona nomination come miglior serie, attrice (Tina Fey), attore (Alec Baldwin) ed attrice non protagonista (Jane Krakoski). Ma attenzione alla sitcom Modern Family, in lizza come miglior serie e per quattro attori non protagonisti. Toni Collette, infine, è di nuovo candidata per The United States of Tara.

Quanto alla categoria miniserie o tv movie in lizza per l'Emmy come miglior attore sono Jeff Bridges (A Dog Year), Ian McKellen (The Prisoner), Micheal Sheen e Dennis Quaid (The Special Relationship) ed Al Pacino (You Don't Know Jack), mentre come miglior attrice le candidate sono Maggie Smith (Capturing Mary), Joan Allen (Georgia O' Keeffe), Judi Dench (Return to Cranford), Hope Davis (The Special Relationship) e Claire Danes (Temple Grandin).

Tra i non protagonisti spiccano i nomi di John Goodman, Susan Saradon e Brenda Vaccaro (You Don't Know Jack), David Strathairn, Julia Ormond e Catherine O'Hara (Temple Grandin), Jonathan Pryce (Return to Cranford) e Kathy Bates (Alice).

"Black Swan" apre la Mostra di Venezia

2010-07-28T06:32:00.000-07:00

Domani ci sarà la conferenza stampa di presentazione del programma ufficiale della prossima Mostra del Cinema (Venezia, 1-12 settembre) ma la Biennale ha già annunciato il titolo di apertura: si tratta dell'attesissimo Black Swan interpretato da Natalie Portman e con cui Darren Aronofski torna in laguna dopo il Leone D'oro per The Wrestler. Qui sopra una prima, sfolgorante immagine della Portman nel ruolo della ballerina protagonista del film.

Già noto anche il film di chiusura della kermesse, The Tempest di Julie Taymour, trasposizione de La Tempesta di Shakespeare con Helen Mirren primo Prospero femminile della storia. Il programma del Festival si fa già succulento.

Susan regina del Giffoni Film Festival

2010-07-28T06:05:00.000-07:00

Susan Sarandon ama l'Italia. Qualche giorno fa, ospite al Giffoni Film Festival, ha ricevuto il Premio Truffaut alla carriera ed è stata accolta dall'ovazione del pubblico di giovanissimi che affolla la Cittadella del Cinema. In occasione dell'ennesima trasferta italiana della grande attrice, potete trovare su Loudvision un profilo della Sarandon, terzo capitolo della mia rubrica Modern Divas (dopo quelli dedicati a Glenn Close e Cate Blanchett). Buona lettura!

http://www.loudvision.it/rubriche-modern-divas-il-cuore-di-susan-sarandon--885.html#maintitle

La marcia trionfale di "The Kids Are All Right"

2010-07-28T05:37:00.000-07:00

Toy Story 3 ha fatto sfracelli e dovrebbe presto superare la soglia dei 400 milioni di dollari di incasso. The Twilight Saga - Eclipse è andato benissimo (anche in Italia, considerata la stagione) a conferma di un trend, quello del vampiro neo-romantico, di cui il pubblico sembra ancora non sazio (si veda anche il successo del serial tv True Blood, la cui terza stagione è appena partita negli Usa). L'attesissimo Inception, molto apprezzato dalla critica, è già a quota 143 milioni in appena due week end, mentre Salt, action movie vehicle per Angelina Jolie ha debuttato la scorsa settimana raccogliendo la ragguardevole somma di 36 milioni in soli tre giorni.

Ma sta per entrare in top ten The Kids Are All Right, gay indie dramedy costato appena 4 milioni di dollari, uscito in distribuzione limitata il 9 luglio in appena sette sale registrando la più alta media per sala del 2010 (72mila dollari!) e gia arrivato a quota 5 milioni di incasso in soli tre week end (la Focus ha ampliato il numero delle sale a 38 nel secondo week end e a 201 nel terzo e sta organizzando una distribuzione a tappeto per le prossime settimane). Il successo del film era facilmente pronosticabile, vista l'accoglienza trionfale al Sundance e a Berlino: a oggi Kids è il film meglio recensito dell'anno, con una percentuale di recensioni positive su Rottentomatoes del 96%. Nomination all'Oscar assicurata per Annette Bening, Mark Ruffalo, sceneggiatura e miglior film, mentre per Julianne Moore tutto dipenderà dalla categoria in cui potrebbe essere inserita, Best Actress o Best Supporting.

Restando in campo indie, notevole anche il successo di Winter's Bone (3.5 milioni di incasso per un budget di 2 milioni), Io sono l'amore (3.2 milioni) e Cyrus con Marisa Tomei e John C. Reilly (6.4 milioni).

L'autenticità della vita in "Fish Tank"

2010-07-28T04:39:00.000-07:00

Distribuito dalla OneMovie in solo 18 copie, Fish Tank è un film da non perdere, unanimemente lodato dalla critica europea e statunitense ed immediatamente inserito nella lista delle nomination ai Best Confidential Award nella categoria miglior film e Best Act (la bravissima Katie Jarvis, attrice non professionista). Su Loudvision la mia recensione dell'opera seconda della regista britannica Andrea Arnold.
http://www.loudvision.it/cinema-film-fish-tank--1085.html

Fratellanza gay e neonazismo

2010-07-28T04:29:00.000-07:00

E' uscito all'inizio di luglio il film vincitore del Marc'Aurelio d'Oro all'ultima edizione del Roma Film Festival. Su Loudvision trovate la mia recensione di Brotherhood - Fratellanza insieme ad una breve intervista al regista Nicolo Donato ai seguenti link: http://www.loudvision.it/cinema-film-fratellanza-brotherhood--1069.html

http://www.loudvision.it/cinema-interviste-fratellanza-brotherhood-nicolo-donato--171.html

"Vivere nel passato è il mio futuro"

2010-05-31T09:08:00.001-07:00

"Forse sono gelosa che fra noi non ci sia stato un amore così.

In realtà non ho mai avuto un amore così."

Charley (Julianne Moore) a George Falconer (Colin Firth) in A Single Man di Tom Ford

Fumbling Towards Illusion

2010-05-30T08:06:00.001-07:00

"Companion to our demons

They will dance, and we will play

With chairs, candles and cloth

making darkness in the day

It will be easy to look in or out

upstream or down without a thought.

And if I shed a tear I won't cage it

I want fear love

And if I feel the rage I won't deny it

I won't fear love"

Da Fumbling Towards Ecstasy (1994) di Sarah Mclachlan.
Countdown per l'uscita del nuovo cd Laws of Illusion il 15 giugno. Il primo brano in scaletta è Awakenings. Seguono titoli come Illusion of Bliss, Loving you is easy (il primo singolo, bellissimo) Forgiveness, Rivers of Love, Love Come. Un concept album sulla madre di tutte le illusioni, l'amore, con le sue leggi crudeli e inappellabili? E cos'è in fondo l'amore se non un'illusione di (cieca) beatitudine che al risveglio lascia sconforto, delusione e la feroce consapevolezza di non poterne fare a meno e di volerne, nonostante tutto, ancora e di più? Lunga vita ad artisti come Sarah Mclachlan, capaci di mettere in musica emozioni autentiche. Can't wait to listen to this album.

Addio Dennis

2010-05-30T02:27:00.001-07:00

Aveva da poco ricevuto la sua stella sull' Hollywood Boulevard. Ieri all'età di 74 anni Dennis Hopper ci ha lasciato per sempre. Resta l'immagine di attore e uomo ribelle ed anticonformista, straordinario interprete di Easy Rider, L'amico americano e Velluto Blu. Uno dei più grandi cattivi del cinema americano di tutti i tempi.

La strada di Viggo

2010-05-28T14:46:00.001-07:00

Week end al cinema? Lasciate perdere accuratamente Una canzone per te e La regina dei castelli di carta. Sorvolate su Sex & the City 2 (praticamente stroncato dalla critica ad ogni latitudine) se volete che vi resti un buon ricordo della serie tv. Degni di attenzione invece The Last Station e soprattutto The Road con un immenso Viggo Mortensen.

Il film è un dramma dal passo lento e sospeso con terrificanti venature horror. Padre e figlio attraversano un'America post-apocalittica grigia e desolata, battuta da freddo, piogge frequenti e terremoti. Devono raggiungere la costa, verso sud, nella speranza di andare incontro ad un clima più caldo. Tutt'intorno solo devastazione e miseria: non c'è ombra di vegetazione, la fauna è scomparsa, la terra sta morendo. Sopravvivono con quel po' di cibo che riescono a trovare ma la paura più grande non è quella di morire di fame. L'orrore concreto ed indicibile viene dalla paura di finire vittime dei gruppi di cannibali che percorrono le strade o si nascondono in case all'apparenza abbandonate. Camminano, padre e figlio, e dentro di loro "portano il fuoco" dell'umanità che non si lascia travolgere dal male ed ha fiducia nella vita.

Accolto senza entusiasmo a Venezia 2009 ma molto apprezzato dalla critica americana, The Road è un film coraggioso ed importante, imperfetto e bellissimo. Sebbene i flashback che riguardano il rapporto tra il padre e la madre (una funzionale Charlize Theron) e con i quali si allude ad un luminoso tempo pre-apocalisse e alla dolorosa decisione suicida della donna siano piuttosto scivolosi, Hillcoat è abbastanza intelligente da evitare di ricostruire il momento dell'apocalisse. Non occorre mostrare: vedendone le conseguenze gli spettatori possono benissimo immaginare l'immane portata del disastro. Ed è molto bravo nel disegnare immagini di sconfortante desolazione sotto cieli cupi e gonfi di pioggia. Forse fin troppo. Nei piani lunghi che vedono padre e figlio camminare lungo sentieri deserti circondati da una natura morente c'è come la ricerca di una poesia nella miseria, un'estasi della desolazione, un'elegia del grigiore post-apocalittico. Sono immagini bellissime da vedere e questa bellezza è in violento contrasto con il contenuto stesso dei vari quadri. Laddove il passo estatico/desolato cede il posto all'azione nello scontro con gli altri sopravvissuti (fra cui un magnifico Robert Duvall in una scena memorabile) il dramma ha la meglio sulla poesia, l'orrore dilaga, le emozioni espolodono ed il film decolla.

Viggo Mortensen si conferma uno dei più grandi attori viventi ed è uno scandalo che non sia stato candidato all'Oscar per questo ruolo. Non c'è nulla di superfluo ed eccessivo nella sua interpretazione. Tutto è vero, intenso, palpabile. Nel corpo ferito, sul volto scavato e nello sguardo terrorizzato ma ancora vivo vibra quel "fuoco" di cui parla McCarthy e tutto l'amore del mondo che un padre può volere al proprio figlio. Ed è nel bellissimo rapporto tra i due personaggi che il film segna un altro punto a favore: Mortensen ed il piccolo, bravissimo Kodi Smith McPhee sono credibilissimi e devastanti. E nel finale, uno dei più belli dell'anno, il passaggio metaforico della fiaccola dal padre al figlio è straziante.

Viggo è già sul set del nuovo film di David Cronenberg previsto per il 2011. A Dangerous Method racconterà la nascita della psicanalisi attraverso il rapporto tra Sigmund Freud, interpretato da Mortensen, e Carl Jung, cui darà il volto Michael Fassbender. Con tutto il rispetto per i tandem Burton-Depp e Scorsese-DiCaprio, il binomio autore-star che preferisico è quello metafisico e carnale composto da Cronenberg e Mortensen. Altro capolavoro in arrivo?

Voto: 7

Sex & the Desert

2010-05-28T01:43:00.000-07:00

Indefessi fan della gloriosissima serie (che fu) riempirete anche questo week end le sale di tutto il mondo inchinandovi di fronte al ritorno di Carrie & socie? Si pronosticano incassi da capogiro per Sarah Jessica Parker anche se, visto il trailer e data un'occhiata alla sinossi del film, questo nuovo capitolo di Sex & The City avrebbe dovuto intitolarsi Sex & The Desert. Resisterà l'universo modaiolo e frizzante di Carrie, Samantha, Charlotte e Miranda al suo secondo gonfiaggio su scala cinematografica?

Betty e Don Draper postcards

2010-05-24T09:54:00.000-07:00

Jon Hamm (Don Draper) e January Jones (Betty Draper) in tre stupende foto pubblicitarie di Mad Men. Mad about this serial.

Mad Women

2010-05-24T09:11:00.000-07:00

Betty, Joan o Peggy? Completamente soggiogato dal fascino psicologico e dalla crescente spirale drammatica della seconda stagione di Mad Men, non riesco proprio a decidere a quale personaggio femminile votare il mio cuore. Tutti e tre finemente scritti ed altrettanto straordinariamente interpretati da January Jones, Christina Hendricks ed Elisabeth Moss. Invito chiunque non conoscesse ancora questa serie (giunta alla terza stagione negli Usa) a correre ai ripari. Per quanto riguarda i personaggi maschili naturalmente non c'è gara: Don Draper (Jon Hamm) li batte tutti. E' un fuoriclasse, nel bene e nel male.

Qual'è la vostra eroina preferita di Mad Men? Mi raccomando però, nessuno spoiler sul finale della seconda stagione: sono ancora alla nona puntata.

Nora e Max in "Calda Emozione"

2010-05-24T04:47:00.001-07:00

"Non c'è niente che odi quanto l'essere ingannata. Preferisco un uomo violento a uno che mente, dalla violenza almeno ci si può difendere. Sai... ogni volta che abbiamo un appuntamento e tu arrivi puntuale è così gratificante che sto male da morire. Perché mi aspetto che tu non arrivi affatto. E invece arrivi... e ogni volta che ti vedo non credo ai miei occhi. E nessuno al mondo è più felice di me perché... perché significa che non ti sei stancato, che ti vedrò ancora. Io ho fiducia in te, perché la prima volta che ti ho incontrato hai detto che non ti ingozzi e che non menti mai. Beh, non me ne frega niente se ti ingozzi, ma non venirmi mai più a raccontare storie. Posso perdonarti una volta ma non posso farlo una seconda".

Nora Baker (Susan Sarandon) a Max Baron (James Spader) in Calda Emozione (White Palace, 1990) di Luis Mandoki

Cannes premia Binoche, Bardem e... Elio Germano

2010-05-24T04:45:00.000-07:00

Si è conclusa ieri sera la 63esima edizione del Festival di Cannes. Il verdetto della giuria presieduta da Tim Burton ha rispettato i pronostici della vigilia in quasi tutte le categorie, tranne che per la Palma d'Oro. Il favoritissimo Another Year di Mike Leigh è praticamente stato ignorato, ma dalla sconfitta a Cannes è già rimbalzato in vetta ai pronostici per le prossime candidature all'Oscar nelle categorie miglior film, regia, sceneggiatura ed attrice protagonista (Leslie Manville). Ha vinto il film thailandese Uncle Boonmee who can recall his past lives di Apichatpong Weerasetachul, presentato negli ultimi giorni del Festival: un film di spiriti e fantasmi che deve essere piaciuto non poco a Tim Burton. Il Gran Premio della Giuria è andato a Des Hommes et Des Dieux di Xavier Beauvios, mentre il Premio della Giuria a A Screaming Man di Mahamat-Saleh Haroun. Miglior regista Mathieu Amalric per Tournée, e miglior sceneggiatura Lee-Chang dong per Poetry. Queer Palm per il miglior film a tematica GLBT a Kaboom di Gregg Araki.

Per la prima volta Juliette Binoche ha vinto il premio come miglior attrice a Cannes (aveva già vinto a Venezia con Film Blu e a Berlino con Il paziente inglese). Copia Conforme era già in cima ai miei impegni cinematografici questo week end, ma ho dovuto rimandare la visione. La vittoria della favolosa Binoche rende il recupero del film di Kiarostami assolutamente obbligatorio entro il prossimo week end, tra l'altro ricco di uscite imperdibili (The Road), gustose (Sex & The City 2) e possibilità di interessanti seconde visioni (The Last Station). Il palmarès di Juliette si arricchisce così di un altro riconoscimento importantissimo che va ad aggiungersi all'Oscar e al Bafta conquistati per Il paziente inglese e al Caesar vinto per L'ussaro sul tetto.

Quanto al miglior attore, la vittoria di Elio Germano ex-aequo con Javier Bardem non può che gonfiare d'orgoglio e riempire di gioia. E speriamo che spinga il pubblico italiano ad andare a vedere il bel film di Luchetti. Nel discorso di ringraziamento Elio ha detto: "I nostri governanti accusano sempre il cinema di parlare male del paese, così dedico il premio agli italiani che fanno di tutto per rendere l'Italia un paese migliore nonostante la sua classe dirigente". Chapeau.

Cannes goes on: "Fair Game", Ken Loach e altri

2010-05-21T01:12:00.000-07:00

Applausi e consensi per Fair Game. Ropeofsilicon.com prevede già di vedere il film di Liman nella lista dei dieci candidati al miglior film agli Oscar 2011, assieme al nome di Naomi Watts nella categoria miglior attrice (eccellente insieme al coprotagonista Sean Penn). Per The Hollywood Reporter il film cerca di evitare il trattato politico ma cade nella retorica e, secondo il New York Times, sfocia in una seconda parte troppo melodrammatica. Ma è senza dubbio un thriller politico rispettoso ed intelligente, come scrive Variety, un film di intrattenimento serio che si inserisce sulla scia di Green Zone nell'attaccare la politica dell'amministrazione Bush riguardo alla guerra in Iraq.

Anche Route Irish di Ken Loach è stato accolto favorevolmente. Il regista inglese palma d'oro nel 2006 per Il vento che accarezza l'erba abbandona i toni leggeri de Il mio amico Eric e realizza un teso thriller politico sulle atrocità e sulle ferite del conflitto in Iraq.

Un serio contendente alla palma d'oro sembra essere il film francese Des Hommes et des Dieux di Xavier Beauvios: in un monastero in Algeria nel 1996 otto monaci convivono pacificamente con gli abitanti musulmani di un vicino villaggio, ma vengono attaccati da un gruppo di fondamentalisti islamici. Metodico nel descrivere nella prima parte la vita nel monastero, il film diventa intenso ed appassionato nel racconto del martirio finale.

Infine grande entusiasmo ha suscitato la proiezione fuori concorso di Carlos di Olivier Assayas, film-fiume (quasi 6 ore) incentrato sulla storia del rivoluzionario venezuelano Ilich Ramirez Sanchez tra gli anni '70 ed '80. Un affresco spettacolare e coinvolgente, oltre che psicologicamente dettagliato, secondo Variety, in cui Assayas dimostra ancora una volta la sua straordinaria bravura. Prodotto per la televisione francese e suddiviso in tre episodi, il film dovrebbe anche uscire al cinema in una versione di due ore e mezza di durata.

Italiani a Cannes: "La nostra vita"

2010-05-20T16:04:00.000-07:00

"Terribilmente urlato e poco convincente" è la lapidaria stroncatura di Variety. Molto meno sbrigativo, invece, The Hollywood Reporter secondo cui "il pubblico internazionale (e, aggiungo io, anche la critica) difficilmente potrà comprendere con quanta precisione Daniele Luchetti ha dipinto l'Italia contemporanea". Luchetti ha realizzato "un dramma intelligente che usa il proletariato per rappresentare lo stato delle cose in una scala più vasta".
Unanime invece la critica italiana nel sottolineare l'importanza e la bellezza de La nostra vita, da venerdì 21 nelle sale. Su loudvision.it potete leggere la mia recensione e l'intervista a Daniele Luchetti in occasione della conferenza stampa tenuta a Roma prima della partenza per Cannes.

http://www.loudvision.it/cinema-film-la-nostra-vita--1035.html
http://www.loudvision.it/cinema-interviste-la-nostra-vita-daniele-luchetti--167.html

Beautiful Italians a Cannes

In basso Elio Germano, Isabella Ragonese, Raul Bova e Stefania Montorsi sulla Croisette.

Beautiful people (3): Watts a Cannes

2010-05-20T06:54:00.001-07:00

Aveva già calcato la Croisette sabato scorso per la prima mondiale del film di Woody Allen. Oggi è ritornata sotto i riflettori per Fair Game, thriller politico di Doug Liman ispirato alle memorie dell'agente Cia Valerie Plame e alla bufera che colpì la sua famiglia sotto l'amministrazione Bush negli anni della guerra in Iraq (il marito, l'ex ambasciatore Joseph Wilson, aveva smentito l'esistenza delle armi di distruzione di massa in Iraq. Per distogliere l'attenzione della stampa dalle sue rivelazioni, la Casa Bianca rivelò l'identità di ex agente Cia della moglie, gettando la famiglia nello scandalo). E' l'unico film americano del concorso, in gara oggi insieme all'unico titolo italiano, La nostra vita, e a Route Irish di Ken Loach. Per le reazioni della critica a questi attesissimi film rimando ai prossimi post. Godetevi nel frattempo queste immagini di Naomi Watts, futura interprete di una cine-biografia su Marilyn Monroe (ma non doveva essere Michelle Williams?).

Love Dame Mirren

2010-05-20T02:06:00.001-07:00

E' il primo dei quattro (o cinque!) film starring Dame Helen Mirren in uscita quest'anno. Tratto da una storia vera, in Love Ranch la Mirren interpreta il ruolo di una maitresse che gestisce insieme al marito (Joe Pesci) il primo bordello legalizzato degli Stati Uniti (siamo nel 1971), il Mustang Ranch in Nevada. Dirige il marito dell'attrice Taylor Hackford, autore di Ufficiale e gentiluomo e, soprattutto, del bellissimo L'ultima eclisse. L'uscita è prevista in America per quest'estate (dopo un anno di disavventure distributive) e, anche se non c'è ancora un trailer ufficiale, è stato reso noto il poster che cattura perfettamente l'atmosfera anni settanta sexy ed eccentrica. Tra l'autunno e la stagione natalizia vedremo Helen Mirren anche nel dramma spionistico sul Mossad The Debt di John Madden, nell'atteso The Tempest di Julie Taymor in cui è Prospero in versione femminile e in ruoli di supporto nel noir Brighton Rock tratto da Graham Greene e nella action comedy Red con Willis, Freeman e Malkovich.

Nell'attesa ci si può consolare con l'uscita italiana di The Last Station (28 maggio), presentato al Festival di Roma ad ottobre e già uscito più o meno in tutto il pianeta. Per la sua torreggiante interpretazione della contessa Sophja la Mirren ha ottenuto la sua quarta nomination agli Oscar. Qualcosa mi dice che il prossimo anno arriverà a quota cinque. La mia recensione è al link:

http://best-actress-confidential.blogspot.com/2009/10/last-station.html

Retrospettiva Blanchett, closing titles

2010-05-19T04:44:00.001-07:00

Della sua nutrita filmografia mi mancano ancora da vedere il dramma bellico Paradise Road, il fallimentare western The Missing (quando si dice "mettersi alla prova in tutti i generi a disposizione") e il pastiche Le avventure acquatiche di Steve Zissou. Titoli – credo – sorvolabili in quanto ad importanza nella carriera della diva. Non sono riuscito a rivedere invece Falso tracciato (se ho buona memoria notevolissima commedia con interpreti affiatati: Thornton, Cusack, Jolie), L’uomo che pianse (irrisolto melo’ che spreca un buon cast: Depp, Ricci, Turturro) e i dimenticabili Charlotte Grey (re-union Armstrong/Blanchett) e The Shipping News (Hallstrom al suo peggio, meramente illustrativo). Dichiaro quindi conclusa la mia retrospettiva sulla Blanchett.

A giochi fatti le mie cinque interpretazioni preferite sono le seguenti. E le vostre?

1. Diario di uno scandalo

2. I'm not there

3. Bandits

4. Heaven

5. The Gift

Alla prossima retrospettiva!

Miscellaneous Cate: Babel, Ripley, The Gift e altri

2010-05-19T04:28:00.000-07:00

Babel (2006)
Nel mosaico caleidoscopico di Inarritu il segmento in Marocco con le star hollywoodiane Cate Blanchett e Brad Pitt è il meno incisivo, anche se il regista si sforza di sottrarre ogni allure divistica dalla loro immagine. Cate è comunque in uno stato di grazia (il 2006 è anche l’anno di Intrigo a Berlino e Notes) e la sua dolente figura di moglie occidentale insoddisfatta, infelice e letteralmente ferita a morte vale molto di più dell’espressione contrita e delle rughe (finte?) di Brad Pitt. Prove generali di alchimia pre-Benjamin Button.

Little Fish (2005)
Piccolo thriller australiano dall’atmosfera liquida e sospesa. Cate è una credibilissima ex-tossicodipendente in una trama di complessi rapporti familiari ed affettivi. Interessante e molto ben interpretato, ma il finale delude non poco.

The Gift (2000)
E’ il primo titolo in cui ho davvero apprezzato il talento dell’attrice australiana. Horror psicologico senza effettismi e colpi bassi, ambientato nel torrido e sonnolento sud e con una bella galleria di personaggi (su tutti il disturbatissimo Giovanni Ribisi, che tornerà a far splendida coppia con la Blanchett in Heaven). Nel ruolo della sensitiva Annie, Cate vibra di (in)credibile terrore per il suo dono esoterico e per il crudele maschilismo di una comunità che la taccia di stregoneria ma ricorre a lei per curare i suoi mali. Annie è strumento della verità, interpreta i segnali dei sogni e dei tarocchi senza reagire ai soprusi, affronta l’orrore e la cattiveria degli altri a testa bassa ed è l’unico baluardo dell’amore per gli altri e dell’importanza dell’ascolto e della comprensione in un mondo dominato dalla violenza.

Il talento di Mr Ripley (1999)
Noir d’annata con cast da capogiro: Matt Damon luciferino e dannato, Jude Law irresistibile e magnetico, Philip Seymour Hoffman strepitoso, Gwyneth Paltrow dolce e patetica. La Meredith di Cate Blanchett, frivola e spensierata ragazza americana di buona famiglia in libera uscita nel belpaese, è il comic relief di questo soleggiato e cartolinesco incubo italiano diretto da Anthony Minghella. In poche sequenze l’attrice schizza un bellissimo ritratto e ruba la scena alla Paltrow, costretta nel tragico (e scontato) ruolo della fidanzata abbandonata. Pagine di grande cinema: l’inizio con la ninna nanna per Caino intonata da Sinead O’ Connor; l’omicidio di Dickie in mezzo al mare sotto la luce accecante del sole; il tesissimo dialogo tra il sospettoso Freddie Miles e Tom Ripley nell’appartamento di Dickie a Roma; il finale senza speranza.

Oscar e Lucinda (1997)
In perfetta sintonia con l’altrettanto pallido ed intenso Ralph Fiennes, Cate è Lucinda, un’indipendente e scandalosa ereditiera con la mania del gioco d’azzardo, il gusto per gli affari e il sogno di costruire una chiesa di vetro. Primo ruolo da protagonista: Cate è radiosa ed attrice già matura. Bei paesaggi e una sensibilità tutta femminile dietro la macchina da presa (Gillian Armstrong, autrice del delicato Piccole donne con Winona Ryder)

Beautiful people (2): Juliette Binoche

2010-05-19T02:15:00.000-07:00

Madrina del Festival ed interprete di Copia Conforme, Juliette Binoche splende sulla Croisette. Il film di Kiarostami è piaciuto moltissimo e sembra in pole position per la palma d'oro, appena dietro a Another Year di Mike Leigh (mentre Biutiful stazionerebbe in terza posizione: molti hanno criticato l'eccessiva drammaticità del film, parlando addirittura di "inesorabile ponografia della miseria"). Quale migliore occasione per celebrare il fascino unico ed eterno della diva francese con una galleria delle sue performance più famose?

Nell'ordine: Copia conforme (2010), Complicità e sospetti (Breaking and Entering, 2006), Caché - Niente da nascondere (2005), Chocolat (2000), Storie - Code Unknown (2000), Alice e Martin (1999), Il paziente inglese (1996), L'ussaro sul tetto (1995), Film Blu (1993), Il danno (1992), Gli amanti del Pont Neuf (1991), L'insostenibile leggerezza dell'essere (1988).

Qual'è la vostra Binoche del cuore?

Beautiful people a Cannes

2010-05-18T13:34:00.000-07:00

Ryan Gosling e Michelle Williams sotto i flash dei fotografi.

Cannes decolla con Binoche e Bardem

2010-05-18T11:01:00.000-07:00

Bertrand Tavernier non convince nessuno con la sua Princess of Montpensier. Piace parecchio A Screaming Man del regista africano Mahamat-Saleh Harou, già autore del premiato Daratt nel 2006. Non delude ma non entusiasma il Takeshi Kitano di Outrage, che segna un ritorno all'action violento e sanguinoso per il maestro nipponico. Fuori concorso diverte il provocatorio Kaboom di Greg Araki con i suoi toni surreali e parodistici mentre contrastanti sono le reazioni per Tamara Drewe di Stephen Frears: uno sguardo sulla campagna inglese fresco, sensuale, cinico ed irriverente per alcuni, spuntato ed inconsistente per altri.

In uscita nelle sale italiane venerdì prossimo, oggi è stato presentato Copia Conforme di Abbas Kiarostami con Juliette Binoche. Per Guy Lodge di incontention.com un capolavoro con una sublime prova d'attrice; per tutti gli altri un esercizio di stile suggestivo ed affascinante. Girato in Toscana, è la storia dell'incontro tra una donna e uno scrittore che ha pubblicato un saggio sul rapporto tra i concetti di originale e copia nell'arte. Si innamorano e decidono di giocare a marito e moglie, ma i confini tra realtà e finzione iniziano a confondersi e il film si trasforma sotto gli occhi degli spettatori in un puzzle ambiguo e carico di interrogativi.

Se finora l'unico serio candidato alla palma d'oro sembrerebbe Another Year di Mike Leigh ( in lizza anche per la miglior attrice Leslie Manville), Biutiful di Inarritu ha suscitato molti consensi e gode di un notevole supporto critico soprattutto per l'interpretazione di Javier Bardem. Qualcuno ha parlato non solo della palma come miglior attore, ma anche di una probabile candidatura ai prossimi Oscar. Per la prima volta orfano dello sceneggiatore Guillermo Arriaga, Inarritu abbandona il mosaico corale delle pellicole precedenti e costruisce il film intorno al protagonista Bardem nel ruolo di un padre malato di cancro costretto ad affrontare tragedie e miserie di ogni tipo. Angoscia e lacrime assicurate.

Sono arrivati sulla croisette anche Michelle Williams e Ryan Gosling interpreti del film indipendente Blue Valentine, drammatica autopsia di un amore. Spero di postare al più presto qualche immagine dei due paparazzatissimi attori. Le voci di corridoio confermano il clamore già suscitato al Sundance: Williams e Gosling sono "devastanti" e il film merita tutta la pubblicità che sta ricevendo. La pellicola è stata acquistata dai fratelli Weinstein ed uscirà in America il 31 dicembre, giusto in tempo per concorrere agli Oscar. Ma credo che, visto l'entusiasmo della critica, l'uscita potrebbe essere anticipata.

E i film italiani? Dopo il successo di Draquila di Sabina Guzzanti (quinto posto al box office questa settimana, davvero un ottimo risultato per un documentario), giovedì sarà la volta di La nostra vita. Dita incrociate per Elio Germano come miglior attore.

It's not the cheating, it's the hunger

2010-05-18T02:34:00.001-07:00

"I think I understand your feelings about this book. I used to have some problems with it myself. When I read it in grad school Madame Bovary just seemed like a fool. She marries the wrong man, makes one foolish mistake after another. But when I read it this time I just fell in love with her. She's trapped. But she has a choice: she can even accept a life of misery or she can struggle against it. And she chooses to struggle".

"Some struggle... up in the bed with every guy who says - Hallo?"

"Oh, she fails in the end but there's something beautiful and even heroic in her rebellion. My professor would kill me for even thinking this but... in her own strange way Emma Bovary is a feminist".

"Oh that's nice. So now cheating on your husband makes you a feminist?"

"No, no, no... It's not the cheating, it's the hunger. The hunger for an alternative. And the refusal to accept a life of unhappiness".

Sarah Pierce (Kate Winslet) e la vicina di casa Mary Ann all'incontro letterario su Madame Bovary in Little Children di Todd Field.

Inception poster e trailer

2010-05-18T01:50:00.000-07:00

E' il film più atteso dell'anno. Inception di Christopher Nolan esce in America il 16 luglio e in tutto il mondo tra luglio ed agosto. Solo in Italia bisogna aspettare fino al 3 settembre. Per Leonardo Di Caprio un altro grande ruolo, dopo Shutter Island. Molto glamour e scintillante il resto del cast: Marion Cotillard, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Cillian Murphy, Michael Caine, Ken Watanabe. Bellissimi i trailer che circolano in rete. Take a look.
http://www.youtube.com/watch?v=SZwNtUe7ynM&feature=related

Ascesa e regno di Elizabeth

2010-05-17T08:58:00.000-07:00

Nascita e consacrazione di una star. Il primo Elizabeth è, tutto sommato, uno spettacolo decoroso: la grandeur di Shekhar Kapur è ancora piuttosto a freno e la performance di Cate Blanchett ha una luminosa freschezza e una regale dignità. Allora semi-sconosciuta, ma con all'attivo titoli come Paradise Road e Oscar e Lucinda, la Blanchett rivela la stoffa dell'interprete consumata già pienamente consapevole dei propri mezzi. Il suo nobile pallore e il primo piano che chiude il film sono memorabili. Il senso del dramma di Kapur è smisurato (e non è un bene) ma l'intreccio di cupezza, ferocia shakespeariana, rielaborazione romanzesca e aspirazioni artistiche ha un che di decadente cui si cede volentieri (e alcune soluzioni visive sono molto belle: l'annunciazione ai piedi del grande albero e l'incoronazione vibrano di un ispirato pittoricismo). Purtroppo i cattivi sono troppo "cattivi": la tormentata Mary Tudor di Kathy Burke è francamente terribile e Christopher Eccleston non è da meno.

Altro problema è Joseph Fiennes, sempre in zona Shakespeare in Love: con i suoi occhioni dolci è facile in alcuni momenti fare confusione col film di John Madden. Nell'articolazione della storia d'amore il film fa acqua da tutte le parti, e la stessa scarsa credibilità si riscontra anche nel rapporto con l'avventuriero Clive Owen in Elizabeth - The Golden Age (rapporto reso ancora più romanzato dal triangolo con la dama di corte Abbie Cornish). Un'alchimia poco convincente dovuta alla freddezza regale dell'immagine proiettata dall'attrice e all'eccessivo spazio riservato all'elemento sentimentale e melodrammatico rispetto alla ricostruzione storiografica.

Nel secondo Elizabeth, nove anni dopo, la Blanchett troneggia da vera regina della scena, tratteggiando un ritratto a tutto tondo in cui le è permesso di cavalcare tutte le emozioni umane possibili ed immaginabili. Fin troppo, verrebbe da dire. Nel corso dello stesso film è sovrana, amante infelice, guerriera e altro ancora. I poveri comprimari Rush e Owen sono praticamente soffocati dallo spazio concesso alla star. La scena in cui Cate urla contro l'ambasciatore spagnolo "Io posso anche comandare il vento! C'è un uragano dentro di me che raderà al suolo la Spagna se solo oserete sfidarmi!" è davvero potente, degna di Bette Davis o Katharine Hepburn, una clip destinata a comparire in tutti i futuri slideshow celebrativi dell'attrice. Ma nel complesso il ritratto della regina è così variegato e multiforme da risultare, per assurdo, poco incisivo. Nel piccolissimo ruolo di Maria Stuarda Samantha Morton è molto più convincente e finisce con rubare la scena praticamente senza fare nulla. Il momento della decapitazione è il più bello e drammatico del film: l'immobile intensità della Morton, la sua sottiile perversione sono elettrizzanti e funzionano molto di più del dimenarsi della Blanchett richiesto dalle innumerevoli trasformazioni dello script.

Ma non è l'unica nota dolente del film. Shekhar Kapur non andava per il sottile nemmeno nel primo Elizabeth, ma qui si lascia davvero prendere la mano dai toni cupi e foschi, dalla musica roboante, dall'insistenza con cui rotea con la macchina da presa intorno alla diva (troppo attento a registrare ogni suo cambiamento di espressione), da un pittoricismo stucchevole, da un gusto discutibile per le inquadrature bizzarre, gli estenuanti fuori fuoco ed altri effetti che fanno tanto "film artistico". Ma ancor di più il film fallisce nella rappresentazione dei due aspetti della vita della regina, quello pubblico e quello privato, che restano giustapposti senza mai fondersi in modo organico. Ne esce un fumettone cinquecentesco, sfarzoso, volgare, gratuitamente truculento. Una soap opera hollywoodiana imparruccata, in cui ogni inquadratura, ogni momento di sfrenato barocchismo è una glorificazione dell'attrice protagonista.

E forse è proprio questa la giusta modalità di approccio ad un (brutto) film come Elizabeth 2 (La vendetta?): più che un film, uno showcase per la Blanchett, un'occasione per lei di risplendere e per noi spettatori di vedere il suo ormai riconosciuto e universalmente consacrato mestiere all'opera.

Voto: 5 (6 Elizabeth e 4 Elizabeth - The Golden Age)

Running with Annette

2010-05-16T02:43:00.000-07:00

Annette Bening in Correndo con le forbici in mano. Delirante, esilarante, intensa e tagliente come una lama nel ruolo di Deirdre Borroughs, adorabile madre snaturata del piccolo Augustin. Anche Annette meriterebbe una retrospettiva dei suoi personaggi memorabili: Rischiose abitudini, American Beauty, La diva Julia, Running with Scissors. In attesa di Mother and child e The Kids are all right.

Cannes 2010: Stone, Allen e Leigh

2010-05-16T01:11:00.001-07:00

Cannes scorre senza grandi entusiasmi: sarà difficile trovare quest'anno capolavori come Un profeta e Il nastro bianco? Dopo che Robin Hood non è stato (del tutto) massacrato dalla critica come sarebbe stato lecito aspettarsi, venerdì scorso è stata la giornata di Wall Street Money Never Sleeps (fuori concorso), accolto piuttosto positivamente. In uscita in America il 24 settembre e in italia il 15 ottobre, il film intrattiene per oltre due ore con una trama, a quanto pare, complessa, gonfia di filoni e personaggi a volte non pienamente sviluppati (come scrive IndieWire). Ma diverte e tiene incollati alla poltrona nella sua spirale di avidità e perfidia anche grazie al cast all stars: Michael Douglas, Shia Labeouf, Josh Brolin, Carey Mulligan e Susan Sarandon (che sembra ricalchi il ruolo di Amabili Resti...). Gelido invece Guy Lodge di Incontention, secondo cui il film ricicla il plot del primo episodio aggiornandolo 23 anni dopo ed è terribilmente appesantito da facili simbolismi visivi (oltre ad avere uno sguardo disinteressato sui personaggi femminili, lasciati privi di coerenza/credibilità psicologica).

Josh Brolin è il protagonista anche dell'ultimo film di Woody Allen You Will Meet A Tall Dark Stranger, assieme a Naomi Watts (il 2010 si prospetta un grande anno per lei: è protagonista anche di Mother and Child e Fair Game), Anthony Hopkins e Javier Bardem. Reazioni della critica? Nessuno si azzarda ormai a stroncare Woody Allen, ci si mantiene su posizioni di rispetto e cortesia che nascondono freddezza e disappunto: un Allen "di servizio" (Hollywood Reporter) con un Josh Brolin poco convincente nel ruolo di intellettuale nevrotico (alla Woody Allen), uno stile che ritorna alla coralità delle opere di fine anni '80 (Vanity Fair) e un plot che si diverte a giocare con i personaggi ma non riesce a renderli attraenti per il pubblico. Quanto a Naomi Watts, aspettiamo di vederla in Fair Game: voci di corridoio dicono sia la performance della sua carriera.

Infine ieri è stato accolto da una calorosa ovazione Another Year di Mike Leigh (La felicità porta fortuna) che si candida alla palma d'oro per il miglior film e la strepitosa interpretazione femminile di Leslie Manville (nel cast anche Jim Broadbent e Imelda Staunton). Tra farsa, dramma e satira sociale, con meravigliosi momenti comici e un'inarrestabile malinconia, un'altra umanissima commedia familiare imperdibile per l'autore di Segreti e bugie.

Giorno di riposo con Kate e Patrick

2010-05-15T16:10:00.001-07:00

Giorno di riposo. Domani in arrivo news dal Festival di Cannes sui film di Oliver Stone, Woody Allen e Mike Leigh. La rassegna su Cate Blanchett prosegue con gli ultimi post sul ruolo che l'ha resa famosa e consacrata star, Elizabeth, e sulla miriade di altri film che non ho finora affrontato: Little Fish, Mr Ripley, The Gift, Oscar & Lucinda, Babel...

In programma nei prossimi giorni anche Correndo con le forbici in mano, rivisto di recente, con una favolosa Annette Bening (nelle prossime settimane salirà la febbre per The Kids Are All Right) e Il mondo secondo Garp, esordio al cinema della mia amata Glenn Close.

Finalmente oggi ho visto Little Children, con l'altra grande Kate (Winslet, nella foto con Patrick Wilson). Bel film, grandi interpretazioni, regia eccellente. Devo solo decidere se dedicare un post al film di Todd Field o inaugurare al più presto una rassegna dedicata alla Winslet, non appena quella della Blanchett sarà terminata. Voi cosa ne pensate?

Adam dei miracoli

2010-05-14T10:07:00.001-07:00

Uscito in America l'estate scorsa arriva in sordina questo week end nei cinema italiani Adam di Max Mayer, una piccola, delicata commedia sulla storia d'amore tra Beth (la Rose Byrne di Damages) e il giovane Adam (Hugh Dancy, già visto in Savage Grace, qui davvero molto bravo), affetto da sindrome di Asperger. Film tanto gradevole nei toni, soprattutto grazie ai due interpreti, quanto esile nella sceneggiatura e piatto nella regia. Ma Dancy e Byrne valgono il prezzo del biglietto. La mia recensione è su Loudvision al link:
http://www.loudvision.it/cinema-film-adam--1042.html

Robin Hood, un prologo noioso e frustrante

2010-05-14T01:27:00.000-07:00

Fastidio e noia. Non c'è nulla che funzioni davvero in questa nuova versione delle avventure di Robin di Longstride nei 140 minuti inutilmente accumulati da Ridley Scott. Nulla, a parte i bellissimi titoli di coda, la puntuale, accurata ricostruzione storico/scenografica (ma trovandoci di fronte ad un film ad alto budget, è il minimo) e l'atmosfera grigia cupa ed opprimente da dramma shakespeariano d'annata. Quest'ultima forse fin troppo accentuata, al limite dell'enfasi tronfia e pesante. Ma l'accoppiata Scott-Crowe non ha mai avuto la mano leggera.

Tra battaglie e saccheggi, intrighi a palazzo, corteggiamenti svogliati, flashback che si vorrebbero rivelatori ma suonano posticci e una marea di attori impegnati (si fa per dire) quel tanto che basta per portare a casa lo stipendio milionario, i 140 minuti scorrono senza divertimento e senza emozione per i poveri spettatori. La trovata del film è quella di narrare (anzi, inventare)l'antefatto storico che precede la nascita della leggenda di Robin Hood. Un prequel in piena regola quindi, che finisce proprio dove gli altri film (e, ahimè, anche l'interesse del pubblico) cominciano e si apre la strada ad un probabile sequel. Che, data la gelida accoglienza della critica (45% di recensioni positive su rottentomatoes), è quanto mai incerto. Vedremo come risponderà il pubblico. Ma credo che preferirà di gran lunga l'action a colori di Iron Man 2.

Trovarsi di fronte ad un interminabile prologo è a dir poco frustrante. Che senso ha un film fatto senza urgenza e senza ispirazione? Capisco la necessità di raccontare qualcosa di diverso e di nuovo rispetto a quanto detto (e visto) in passato, ma almeno bisognava sforzarsi un po' di più per rendere il racconto interessante e suggestivo. Invece tutto è stereotipato, già visto, finto e senza passione. Nemmeno gli attori funzionano e salvano il film dal disastro: troppi personaggi e uno script che non dà a nessuno il materiale sufficiente su cui lavorare. Dirò una banalità ma sin dall'inizio è evidente quanto Russell Crowe sia troppo maturo e fuori parte per interpretare Robin Hood. Ed è insopportabile con la sua unica espressione corrugata e pensosa. E ridicolo nella variante animalesca e selvaggia (tipo quando esce urlante dall'acqua nella scena della battaglia sulla spiaggia, una sequenza fin troppo ricalcata sullo sbarco in Normandia di Salvate il soldato Ryan).

Quanto a Cate Blanchett, è sempre bellissima e l'aggiornamento del personaggio di Lady Marion da damsel in distress a signora fiera ed indipendente è interessante. Ma lo sviluppo della love story con Robin Hood è prevedibile (e soltanto abbozzato), la chimica tra le due star assolutamente inesistente e l'apparizione nelle vesti di guerriera simil-Giovanna d'Arco nella sequenza della battaglia finale è a dir poco fuori luogo ed imbarazzante.

Voto: 4

Waiting for Viggo

2010-05-13T15:15:00.001-07:00

Dopo la cocente delusione del Robin Hood di Ridley Scott (domani il mio commento) ed in attesa di Bright Star di Jane Campion il prossimo mese, tutta la mia attenzione è concentrata sul ritorno di Viggo Mortensen dal 28 maggio sugli schermi con The Road, cupo dramma post-apocalittico tratto dal romanzo di Cormac McCarthy. Meraviglioso Aragorn nella trilogia del Signore degli Anelli ed interprete dalla profondità abissale per Cronenberg nei capolavori A History of Violence e La promessa dell'assassino, Mortensen è probabilmente l'attore più misterioso, inafferrabile, mistico e carnale in circolazione. Il film è rimasto a lungo senza distribuzione perché troppo grigio, pessimista e disperato. Tra gli altri interpreti Charlize Theron e Robert Duvall. Un appuntamento imperdibile per annegare ancora una volta nello sguardo indecifrabile ed intenso di un attore sublime.

Stelle d'Australia sulla croisette

2010-05-12T08:01:00.000-07:00

Ai nastri di partenza oggi la 63esima edizione del Festival del Cinema di Cannes. Si apre con l'anteprima mondiale di Robin Hood, con le star australiane Cate Blanchett e Russell Crowe attese stasera sulla Croisette.Il film di Ridley Scott, già molto discusso per la sua rilettura revisionista della leggenda dell'arciere di Sherwood, esce oggi in Italia e il 14 in tutto il mondo. Dovrei riuscire a vederlo domani e già fremo per la Lady Marion della Blanchett, trasformata da damigella romantica in risoluta guerriera.

Rispetto al programma reso noto a metà aprile, si è aggiunto in concorso Abbas Kiarostami con il suo Copia Conforme interpretato da Juliette Binoche. Ma il mio interesse pre-festivaliero, come già ho accennato nel mio primo post su Cannes il mese scorso, è tutto per Stephen Frears, Oliver Stone e Woody Allen (fuori concorso), e per Biutiful di Inarritu con Bardem e Fair Game con Naomi Watts e Sean Penn (in competizione). Ebbene sì, tutti film divistici. Almeno sulla carta. Che ci volete fare... ad ognuno le proprie dipendenze.

Blue Valentine con la coppia Williams-Gosling dovrebbe infiammare la sezione Un Certain Regard. Quanto all'Italia, il 20 maggio passerà in concorso La nostra vita di Daniele Luchetti. L'ho già visto in anteprima la settimana scorsa ma non se ne può parlare fino alla presentazione al Festival. Non me ne vorrà nessuno se dico che il film merita tutta la stima e il supporto del mondo. Se non altro per l'intensissima, straziante prova di Elio Germano.

Biopic Cate

2010-05-11T10:33:00.001-07:00

Nella rubrica Modern Divas dedicata a Cate Blanchett da oggi online su Loudvision.it al link
http://www.loudvision.it/rubriche-modern-divas-cate-blanchett-l-arte-del-trasformismo--775.html abbozzo un'analisi dell'arte e del carisma dell'attrice australiana riprendendo argomenti e film già affrontati su queste pagine. La Blanchett è diva e grande attrice allo stesso tempo: "porta a nuovi traguardi il mistero della recitazione" affrontando (e vincendo) sempre nuove sfide, e "infonde nuova linfa al concetto di divismo", mantenendo una stimata riconoscibilità tra blockbuster commerciali e film d'autore indipendenti.

Come scrivo in Cate Blanchett, l'arte del trasformismo, "la sua arte non sta solo nel saper oscillare con astuzia tra l’immagine della star e quella della raffinata interprete capace di qualsiasi volo con estrema naturalezza. Il suo carisma ha a che fare soprattutto con la capacità di adattare immagine ed acting style alle esigenze di ogni film. Come accadeva alla Streep negli anni ‘80, lo spettacolo del cinema coincide con lo spettacolo dell’attrice che scompare nel personaggio, modificando aspetto, fisicità, accento, timbro vocale e persino ritmo interiore

Se il corpo/volto dell’attrice si offre come pagina bianca e materia informe pronta ad accogliere tutte le emozioni del mondo, il trasformismo della Blanchett è il terreno su cui si misura il grado di spettacolarità offerto dai suoi film. Il biopic diventa allora la scena primaria dove assistere alla magia di queste mimetizzazioni".

E quale magia più grande e traguardo più incredibile della sua interpretazione di Bob Dylan in Io non sono qui di Todd Haynes (vincitrice della Coppa Volpi a Venezia 2007)? L'Oscar come attrice non protagonista andò a Tilda Swinton per Micheal Clayton ma, signori, il valore di questa prova della Blanchett è insuperabile ed incalcolabile. Tra tutte le sue performance è quella che ammiro di più dal punto di vista tecnico mentre, sentimentalmente parlando, sono più legato (nell'ordine) a Diario di uno scandalo, Bandits, Heaven e The Gift. Io non sono qui è un puzzle suggestivo e cerebrale in cui Haynes decostruisce la figura poliedrica ed inavvicinabile di Bob Dylan attraverso le interpretazioni di sei attori: Heath Ledger, Christian Bale, Richard Gere, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin e Cate Blanchett. Fra tutte queste diverse incarnazioni il tocco di genio di Haynes sta nell'affidare quella più fedele e somigliante all'originale ad una donna, per l'appunto Cate Blanchett. L'effetto è vertiginoso, una performance elettrizzante in magico equilibrio tra impeccabile mimetismo e (affascinante, provocatoria) rilettura del personaggio in chiave trasgender. La donna/attrice Blanchett sparisce completamente in un altro corpo/volto, re-inventandosi uomo con una naturalezza che ha dell'inaudito ed evitando in qualsiasi momento il pericolo dell'imitazione. Soltanto nell'ultima inquadratura ritroviamo l'attrice che guarda in camera e sorride direttamente agli spettatori, consapevole di essersi prestata ad un sofisticato gioco intellettuale. Un gioco che mette in campo questioni profonde riguardanti il mestiere stesso dell'attore, oltre ad un sottile discorso sulle politiche sessuali.

Il fatto che non abbia vinto il suo secondo Oscar per Io non sono qui è un mistero insondabile, di dimensioni pari solo alla grandezza stessa della performance. Anche l'anno precedente avrebbe meritato l'Oscar per Diario di uno scandalo (vinse Jennifer Hudson per Dreamgirls), ma era praticamente impensabile premiare solo lei e non Judi Dench (che si scontrava con Meryl Prada Streep e Helen The Queen Mirren). Il primo Oscar avrebbe già dovuto arrivare agli inizi della carriera per la prima Elizabeth nel 1998, ma anche in quel caso l'Academy confermò la sua cecità ricoprendo di allori Gwyneth Paltrow per Shakespeare in Love.

Mancate le nominations per Bandits e Veronica Guerin, ruoli che ricevettero comunque candidature ai Golden Globes, l'Oscar arrivò nel 2004 per The Aviator di Martin Scorsese, una statuetta che può essere ugualmente considerata la prima vinta da Cate Blanchett o la quinta conquistata da Katharine Hepburn. Tanto eccellente è la resa mimetica della Blanchett che sembra davvero di rivedere sullo schermo l'altra grandissima Kate. Il biopic è tutto focalizzato sull'ascesa e declino di Howard Hughes (un incisivo DiCaprio), ma la Blanchett riesce come sempre a catalizzare l'interesse del pubblico e non è un caso che il film smarrisca parte della sua fiamma nel momento in cui l'attrice esce di scena a metà pellicola. A differenza della performance nel film di Haynes tuttavia, in The Aviator la Blanchett è sì splendida, ma è fin troppo perfetta nel ricalcare movenze, gesti e vezzi della Hepburn da sfiorare il tecnicismo e l'accademismo. Troppo brava, troppo controllata: il risultato è un ritratto bellissimo da vedere ed assolutamente (quasi) identico all'originale ma, proprio per questo, troppo vicino ad una fredda e calcolata imitazione. Il problema riguarda però anche la sceneggiatura ed il modo in cui il personaggio è articolato. Lo sguardo di Scorsese sul mondo del cinema classico e sulle sue star resta glamour e di facciata, interessato soprattutto allo sfavillio dei flash dei fotografi piuttosto che ad una profonda rilettura dei personaggi. Ed il discorso vale sopratutto per il carattere della Hepburn, che probabilmente avrebbe bisogno di un biopic tutto suo, se non di una miniserie.

Restando in tema di personaggi realmente esistiti, l'altra grande interpretazione della Blanchett è quella della combattiva giornalista irlandese Veronica Guerin uccisa nel 1996 per il suo impegno nella lotta al narcotraffico. Il film diretto da Joel Schumacher nel 2003 è un classico biopic di denuncia senza infamia e senza lode, ma la performance dell'attrice è appassionata ed impeccabile come sempre e, prima dei film di Scorsese e Haynes, rivela le stupefacenti doti trasformistiche dell'attrice. Oltre al suo coraggio nel cimentarsi in ruoli difficili e all'inesauribile fiamma del suo dono.

David 2010: vincono (quasi) tutti

2010-05-07T13:24:00.000-07:00

Miglior film dell'anno è L'uomo che verrà, che soffia a sorpresa il premio più importante a Vincere di Bellocchio. Al film di Giorgio Diritti, già vincitore del premio delle giuria e del premio del pubblico al Festival di Roma, sono andati anche i premi per il miglior produttore (Arancia Film e Rai Cinema) e per il suono in presa diretta.

L'immenso Vincere non resta a guardare e conquista 8 statuette: fotografia (grande lavoro di Daniele Ciprì), scenografia, costumi, trucco, acconciature, montaggio, effetti speciali visivi e il sacrosanto David per la miglior regia al maestro Marco Bellocchio. Miglior regista esordiente è invece Valerio Mieli per Dieci Inverni.

Il bellissimo e nostalgico La prima cosa bella di Paolo Virzì si porta a casa 3 statuette, vincendo per la miglior sceneggiatura e per le interpretazioni di Micaela Ramazzotti come migliore attrice (incredibile ma è stata preferita alla Sandrelli e alla Mezzogiorno...) e
Valerio Mastandrea (magnifico e visibilmente commosso) come miglior attore.

Mine Vaganti trionfa nella categoria degli attori non protagonisti: vincono sia Ilaria Occhini che Ennio Fantastichini.

Baaria è giustamente il grande sconfitto, ma riesce comunque a portare a segno il David per le musiche di Ennio Morricone, mentre la miglior canzone originale è Baciami ancora di Jovanotti, tormentone radiofonico del film di Muccino.

Miglior documentario: La bocca del lupo.

Miglior film europeo: Il concerto.

Miglior film straniero: Bastardi senza gloria.

Assegnazioni ecumeniche che in fondo accontentano tutti. Ma un appunto lasciatemelo fare per quanto riguarda il premio alla miglior attrice. E' vero, la Ramazzotti ha uno screentime maggiore rispetto alla Sandrelli. Ma bastava far concorrere la Sandrelli come attrice non protagonista per non dividere i voti e il David l'avrebbe vinto anche lei. In America agli Oscar avrebbero fatto così.

Lullaby for Cain

2010-05-07T00:19:00.000-07:00

"From the silence, from the night

Comes a distant lullaby.

Soul, surrendering your soul,

The heart in you not whole

For love, but love walked on

Cast into the dawn

Branded with the mark

Oh, shame of Cain"

Sinead O' Connor, "Lullaby For Cain"

(http://www.youtube.com/watch?v=f6MwjXx1DiY)

"Qualunque cosa tu faccia, la più terribile, la più dolorosa, per te ha un senso, no? Nella tua testa. Nessuno può pensare veramente di essere un mostro (...) Forse prendi il passato e lo metti in una stanza, lo metti in cantina. Chiudi bene a chiave e non ci torni più. Io faccio così (...) Poi incontri una persona speciale e vorresti soltanto consegnargli la chiave e dirgli - Apri, dai! Entra! - Ma non puoi farlo. Perché è buio lì, pieno di demoni. E se qualcuno vedesse come è brutto lì dentro (...) Io lo desidero, sai? Spalancare la porta per... sì, ripulire la stanza, far entrare la luce. Vorrei una gigantesca gomma da cancellare e cancellare tutto, cominciando da me stesso. Sai Peter, se... Non lo so."

Tom Ripley (Matt Damon) a Peter (Jack Davenport) ne Il talento di Mr Ripley di Anthony Minghella

Tony Awards 2010: dominano le star di Hollywood

2010-05-05T11:10:00.000-07:00

Sono state annunciate le nomination ai Tony Awards, che verranno assegnati il prossimo 13 giugno. Moltissime le star cinematografiche candidate. Nella categoria miglior attore drammatico figurano Jude Law (Hamlet), Alfred Molina (Red), Liev Screiber (A View From The Bridge), Christopher Walken (A Behanding in Spokane) e Denzel Washington (Fences). Tra le donne spiccano i nomi di Viola Davis (Fences) e Laura Linney (Time Stands Still) come attrici drammatiche, Catherine Zeta-Jones come attrice di musical (A Little Night Music) e Scarlett Johansson (A View From The Bridge) e Angela Lansbury (A Little Night Music) come non protagoniste.

A questo link trovate la lista completa delle candidature:

http://www.tonyawards.com/en_US/nominees/index.html

Christina Aguilera: not herself tonight?

2010-05-05T09:03:00.001-07:00

Furoreggia su youtube già da un po' il video del nuovo singolo di Christina Aguilera "Not Myself Tonight", ghiotta anticipazione del cd Bionic in uscita a giugno. A quattro anni dal retro-jazz del doppio album Back To Basics (il secondo cd era davvero un capolavoro, con perle come "Candyman", "Hurt", "I Got Trouble", "Mercy On Me"), Christina torna al pop danzereccio (un po' tamarro ma indubbiamente catchy) ed all'immagine da dirrrrty girl che aveva già ampiamente sfruttato per Stripped. Nel video fa il verso alla Lady GaGa di "Bad Romance" e cita quasi alla lettera "Human Nature" e "Express Youself" di Madonna. Essendo il titolo del brano "Not Myself Tonight" ci sta pure che Christina imiti le sue colleghe e peschi da loro "nuove" suggestioni (che nuove non sono affatto). Ma non afferro il punto: il tono non è quello dell'omaggio, della parodia o della reinterpretazione, ma quello di chi si prende troppo sul serio e porta all'eccesso (senza inventare nulla) una modalità di rappresentazione della sessualità (sia omo che straight) apertamente provocatoria. Una strategia che Madonna aveva inaugurato 20 anni fa. Ma a fine anni '80, in pieno panico da contagio HIV, l'immagine sessuale liberata di Madonna poteva avere senso e suonare sinceramente trasgressiva. Adesso di fronte a questi eccessi porno-soft o sadomaso-chic non si sconvolge più nessuno. Seguendo le orme di Lady GaGa, Christina appesantisce la sua immagine ricorrendo ad un coté più dark-freak, ma tutto finisce col sembrare il capriccio di una ragazzina viziata con solo una cosa nella testa.

Meglio, molto meglio Christina nelle vesti di vocalist soul, almeno quando non esagera in insopportabili virtuosismi vocali. Qualcosa mi dice che nella direzione dance dell'album e nelle scelte del video ci sia lo zampino della casa discografica, decisa a marciare sul trend GaGa. In teoria la Aguilera ha una fortissima personalità musicale: sarebbe umiliante se le avessero imposto una serie di scelte solo per sfruttare un filone economicamente proficuo (The Fame di Lady GaGa è ai primi posti delle charts americane da 78 settimane!!!). Christina ha avuto 4 anni per preparare il nuovo album e, ad ogni modo, il suo ritorno dovrà spakkare. Non resta che aspettare il 4 giugno per ascoltare le nuove canzoni.

Popular Cate

2010-05-04T12:44:00.000-07:00

Per gli spettatori più vigili ed attenti ai volti nuovi da cui lasciarsi abbagliare, in principio fu Elizabeth, ed ancor prima Lucinda. Ma per il grande pubblico che affolla le multisala e divora pop-corn di fronte a blockbuster e filmoni superomistici, in principio fu soltanto Galadriel. Nel ruolo dell'eterea Dama della luce e Signora degli Elfi, Cate Blanchett mette la sua regale bellezza al servizio della fantasmagoria di Peter Jackson ed appare in tutti e tre i film della saga de Il Signore degli Anelli: La compagnia dell'Anello (2001), Le due torri (2002) e Il ritorno del re (2003). I film incassano uno sproposito, collezionano Oscar e rinnovano il genere fantasy. Per la Blanchett è una piccola, iconica partecipazione ma di fondamentale importanza per la sua carriera e la sua crescente popolarità. Nel 2012 tornerà a vestire i panni luminosi di Galadriel nel prequel de Il Signore degli Anelli, Lo Hobbit - Parte prima per la regia di Guillermo del Toro e la sceneggiatura di Jackson e Philippa Boyens.

Dopo due stagioni acclamatissime dalla critica, nel 2008 la Blanchett vince di nuovo alla lotteria di Hollywood e mette a segno altri due titoli di enorme appeal commerciale: il ritorno di Indiana Jones e un progetto che sulla carta profuma di Oscar (re-union con Brad Pitt dopo Babel, regia stimata, fonte letteraria). Più che un film, Indiana Jones e il Regno del Teschio di Cristallo è una vacanza, una scorribanda tra amici, tanto leggero e disimpegnato è il tono del racconto e volutamente retro' l'atmosfera da avventura postbellica resuscitata da Spielberg. Continuando l'altalena tra ruoli principali e secondari, la Blanchett stupisce in un personaggio against the type: l'antagonista di Indy Jones Irina Spalko, gelida e scattante comandante delle truppe sovietiche disposta a tutto pur di recuperare il teschio di cristallo e controllare, con i suoi poteri, la mente degli avversari. Caschetto nero, divisa militare ed occhi di ghiaccio, Cate si adegua allo stile fumettistico del film e disegna una cattiva bidimensionale che, anche se avrebbe potuto essere più incisiva e sottile (magari supportata da uno script migliore), comunque le fornisce l'occasione per sfoderare un divertente accento russo. Incassi da capogiro. Recensioni non entusiastiche ma tutte benevole nei confronti della Blanchett, autoironica ed in grado di plasmare ancora una volta immagine e stile in base alle esigenze del film.

Diretto da un David Fincher in barbosa vena pseudo-artistica e poetica, Il curioso caso di Benjamin Button è invece un furbo blockbuster acchiappasoldi, lacrime e nomination. Per i primi 80 minuti il film è una noia mortale nella sua successione di freddi quadretti patinati: la cornice con figlia e madre terminale in ospedale è patetica, Brad Pitt, reso vecchio (o giovane) dal trucco digitale, ha una sola espressione (piuttosto inespressiva in verità) e gli unici picchi di attenzione riguardano la presenza di Tilda Swinton, sempre splendida. Quando a metà film il personaggio della piccola Daisy fiorisce con il volto e il corpo da ballerina di Cate Blanchett le cose cambiano. La scena in cui Daisy balla davanti a Benjamin è un classico della seduzione che dovrebbe presto finire nelle enciclopedie del cinema. E il film mette finalmente a fuoco il suo nodo centrale: l'impossibile storia d'amore tra i due protagonisti, destinati ad incontrarsi a metà strada intorno ai 40 anni e poi a perdersi. Lei invecchia, come tutti, lui va a ritroso e ringiovanisce. Se tutta la seconda parte del film è drammaticamente più efficace delle prima (descrittiva e fiaccamente elegiaca), il merito va alla Blanchett che accentra su di sé il racconto con la sua calda intensità e il suo quieto dolore. E quando Benjamin, diventato un neonato, riconosce nell'anziana signora che lo culla la donna che ha amato e muore tra le sue braccia, sfido chiunque a non allagare la stanza.

Pioggia di nomination agli Oscar per tutti tranne che per Cate. Che a questo punto, dopo aver ricevuto la sua stella sull'Hollywood Boulevard nel dicembre del 2008, sparisce dalle scene per dirigere la Sydney Theatre Company ed intepretare a teatro Blanche Dubois.

Popular Cate si arricchisce di un nuovo paragrafo con l'uscita questo mese dell'ultimo blockbuster dell'eclettica, multiforme diva australiana: il Robin Hood di Scott, in cui sarà una fiera e combattiva Lady Marian.

Comedy Cate

2010-05-04T10:30:00.000-07:00

Se qualcuno nutrisse (ancora) dei dubbi sul trasformismo di Cate Blanchett si guardi l'episodio Cousins contenuto in Coffee and Cigarettes di Jim Jarmush (2004). Nella stessa inquadratura la Blanchett si sdoppia con totale naturalezza interpretando due personaggi: se stessa, Cate, e sua cugina Shelly. L'episodio è una vera e propria chicca di raffinata perfidia e sottile umorismo, oltre che una conferma dello scintillante talento comico della diva. E' davvero incredibile come anche nella commedia Cate non vada mai sopra le righe e trovi la stessa calda verità dei suoi dramatic turns.

In Cousins Jarmush immagina che la Blanchett, durante una pausa tra un'intervista televisiva ed un'altra, incontri in hotel sua cugina Shelly dopo tanto tempo. Fisicamente agli antipodi (bionda e raffinata l'una, mora e volgare l'altra) i due personaggi incarnano alla perfezione due mondi lontani anni luce l'uno dall'altro: il mondo di chi è arrivato al successo e può permettersi tutto, persino slanci di (falsa) generosità, ed il mondo di chi non ha nulla se non la propria frustrazione ed invidia per i traguardi raggiunti dagli altri. Nella fisicità, negli sguardi, nel modo di dare le battute, sembra di trovarsi davvero di fronte a due attrici diverse. Jarmush non risparmia acide frecciate al mondo dello show business e si mantiene tatticamente a distanza da entrambe. Ma, sotto sotto, parteggia per la maleducata, irresistibile Shelly, piuttosto che per l'eleganza tirata a lucido di Cate. La vera Cate, naturalmente, non è qui: gioca con la sua immagine e si costruisce due doppi adorabili.

Sul coraggio e sulla libertà di una stella del cinema che, all'apice del successo, sceglie di apparire in piccoli film indipendenti come questo, non si discute. Semplicemente ci si inchina.

La più travolgente performance comica della Blanchett è, ad oggi, la Kate Wheeler di Bandits (2001, di Barry Levinson), casalinga e moglie infelice che trova nell'avventura e nell'amore per i due "banditi della buonanotte" Terry (grandissimo Billy Bob Thornton) e Joe (sornione Bruce Willis) una nuova ragione di vita. Il film è ben scritto e molto divertente, il risvolto del menage a trois è originale e condotto con finezza, e Thornton e la Blanchett sfornano due formidabili comic turns. Dopo gli sfarzi di Elizabeth, le arguzie wildiane di Un marito ideale e gli orrori sudisti di The Gift, Cate rivela la stoffa della star a tutto tondo. Qui è nevrotica e sexy, svitata ed autoironica, buffa e romantica. Da vera leading lady entra in perfetta sintonia con i co-protagonisti maschili e riesce anche a ritagliarsi uno spazio tutto suo, dimostrando di possedere un'energia, un'inventiva e una grazia pari a quella di Michelle Pfeiffer ai tempi d'oro.

Compare a film inoltrato, dopo quasi 30 minuti, e il racconto ne trae subito immenso giovamento. La scena in cui prepara la cena per il marito dimenandosi sulle note di Hero di Bonnie Tyler è esilarante. Quale migliore ingresso di questo? Una forza della natura. Quando il marito mortifica i suoi sforzi culinari avvisandola in ritardo di essere a cena fuori, lei fugge in auto in lacrime ed in piena auto-commiserazione trova nuovamente sostegno nella voce arrochita di Bonnie Tyler che canta "... I really need you tonight!.." (da Total eclipse of the heart, celeberrimo brano anni '80, che ritorna in un'altra buffissima scena con Bruce Willis). Basterebbero questi due momenti per innamorarsi di lei.

Tutto il dialogo in auto tra Terry che le punta una pistola contro e lei che sminuisce la situazione senza rendersi conto di avere a che fare con un vero criminale è geniale. Piuttosto che tornare al suo orribile matrimonio, Kate si offre di condurre Terry senza problemi al luogo dell'incontro con i suoi soci e, da ostaggio, diventerà presto una complice insostituibile delle loro rapine, il perfetto anello mancante nella vita sgangherata dei due criminali gentiluomini.

Bandits valse alla Blanchett una candidatura ai Golden Globe come miglior attrice di commedia nel 2002 (ma vinse Nicole Kidman per Moulin Rouge). Se non l'avete visto, recuperatelo. Please.

Un'altra gemma comica nella galleria di personaggi della diva australiana è Gertrud, l'irreprensibile moglie di Sir Robert Chiltern nel frizzante Un marito ideale Oliver Parker. In un cast a cinque stelle dominato per 3/4 di film da una Julianne Moore inarrivabile, la Blanchett ha una scena strepitosa nell'epilogo, quando confessa di aver mentito anche lei e si trova costretta ad ammettere di non essere così moralmente ineccepibile come pensava. Messa di fronte alla verità, Gertrud ha una reazione sorprendente: ride e piange in modo compulsivo, isterico e liberatorio. E' una reazione geniale, teatralmente perfetta e al tempo stesso realistica e naturale. Ed è forse il momento che resta maggiormente impresso alla fine del film: il rigore di Gertrud che si scioglie con effetti comici esilaranti.

Tecnica per garantire l'efficacia del gesto teatrale e sentimento per assicurarne l'autenticità: la Blanchett possiede entrambe queste qualità e le sa calibrare con matematica bravura.

Dench vs Blanchett: scontro di regine in "Diario di uno scandalo"

2010-05-03T14:57:00.000-07:00

E' un grande film Diario di uno scandalo e non solo per le incredibili performance di Judi Dench e Cate Blanchett. Richard Eyre realizza un thriller d'autore di notevole complessità psicologica, stringato e senza sbavature nei suoi 90 minuti di durata, immerso in un'atmosfera livida e claustrofobica (gli esterni grigi e piovosi, il seminterrato) ed impreziosito dalla colonna sonora liquida di Philip Glass. Il film non inizia: scorre come un fiume e lo spettatore ci finisce immediatamente dentro, travolto dal vortice manipolatorio di Barbara. Dall'alto della sua facoltà di controllare il racconto attraverso la scrittura del suo diario, la protagonista impone immediatamente la sua prospettiva interiore come focalizzazione narrativa principale:

"Tutti mi hanno sempre affidato i loro segreti. Ma io a chi posso affidare i miei? A te. Soltanto a te"

Così dichiara in apertura la voce fuori campo di Barbara mentre sfoglia le pagine di un diario ancora immacolato. Ma ci vuole poco per intuire che si tratta di una prospettiva instabile, parziale, non condivisibile fino in fondo. Barbara non è solo una vecchia insegnante cinica e severa: è molto di più ed anche molto peggio. Dalle pagine del suo diario emerge la sua natura sprezzante e presuntuosa. Una presunzione che ha profonde radici nel suo isolamento, nella sua solitudine e nell'assenza d'amore. Si difende Barbara. Si trincera dietro una glaciale rigidità. Si sente respinta, rifiutata, sessualmente ignorata e questo la trasforma in un essere spregevole e pericoloso. La sua idea di superiorità rispetto agli altri si traduce in parole di disprezzo per chiunque e sfocia in una pericolosa ansia di controllo e possesso attraverso metodiche, puntigliose strategie manipolatorie.

Nei primi 10 minuti il regista pone le basi della fascinazione di Barbara per Sheba Hart, la nuova insegnante di arte. Pochi sono gli accenni all'omosessualità di Barbara: la dolce impertinenza della sorella, che le chiede se "c'è qualcun'altra", o il ricordo costante di una vecchia amica del cuore di cui si sono perse le tracce. Nelle parole di Barbara, Sheba potrebbe essere la "fatina" giunta a rimpiazzare quel posto rimasto vacante per tanto tempo. E' sincera nel suo diario, Barbara. E' davvero felice quando Sheba la invita a pranzo dalla sua famiglia e lei si lustra a festa per fare bella figura: "Oh beatitudine! Una bandiera gioiosa sventola sul deserto artico del mio calendario". Ma è ipocrita e doppia: davanti è tutta sorrisi, disponibilità ed affetto. Ascolta le confessioni dell'incauta Sheba e si compiace di esserne la confidente.

"E' una caratteristica tipica dei privilegiati, abbandonarsi a confidenze immediate ed incaute [...] Sheba fu di una sincerità assoluta. Una novizia che si confessa alla madre superiora".

Ma alle spalle (sul diario ed in voce fuori campo) non lesina in commenti terribili sul marito e sui figli. E' falsa Barbara, forse soltanto poco più di tutti quanti noi. Finiamo col provare vergogna, persino imbarazzo per la sua spietata sincerità. "Non si leggono i diari degli altri", dirà alla fine.

Dal canto suo, Sheba è inquieta e confusa, insoddisfatta della vita di madre ed incerta sulla sua vocazione di insegnante. Crede fondamentalmente di essere "una buona a nulla", e forse è così. Di certo è un'istintiva, se si abbandona alla passione per l'alunno quindicenne Steven Connolly con tale leggerezza e noncuranza delle conseguenze.

"Mio padre diceva sempre - Ricordati Sheba, non devi perderti !- Non lo so. E' che c'è una distanza tra la vita che uno sogna di avere e la vita che ha".

Mentre dà queste battute lo sguardo di Cate Blanchett si perde chissà dove e le labbra accennano un lieve sorriso. A differenza del personaggio di Barbara, non abbiamo accesso all'interiorità di Sheba. Questo rende il suo carattere arduo da interpretare e da raccontare al pubblico, soprattutto attraverso il filtro della voce di Barbara, ma la Blanchett riesce a rendere miracolosamente credibili le scelte di Sheba senza imporre nessun giudizio.

"Mi sono sempre comportata bene. Sono stata una buona moglie, una discreta madre. Questa voce dentro di me continuava a ripetere - Perché non potresti essere cattiva almeno una volta, perché non dovresti trasgredire? Te lo sei guadagnata".

Sheba è una debole, e come tale si lascia travolgere dagli eventi. E si fida degli altri. La Blanchett è strepitosa nel rendere la sua incoscienza, e disarmante quando si sforza di trovare una giustificazione al suo comportamento (ma attenzione: se si giustifica, è solo per le orecchie di Barbara). Finita nella trappola dell'anziana collega, che dopo aver scoperto la tresca compra l'amicizia della giovane in cambio del suo silenzio, Sheba commette un altro errore, ancora più grave della pedofilia (il giovane, sfrontato e bugiardo Steven è tutt'altro che innocente e lo sguardo del regista sulla questione è brillantemente scevro da qualsiasi moralismo). Anche Sheba, in fondo, crede di poter manipolare Barbara, fingendosi sua amica soltanto per tenerla al suo posto. Praticamente si mentono a vicenda. Qui ruota il centro nevralgico delle tensioni del film: un'autentica tragedia dei sentimenti, una fotografia della loro svalutazione e mercificazione.

"Avevo davanti un'occasione superba: se agivo con astuzia potevo assicurarmi la preda rendendola mia debitrice in eterno. Potevo ottenere tutto... senza fare nulla".

Barbara ha dalla sua parte anni ed anni di reclusione interiore che l'hanno trasformata in un vampiro. Quando scopre che Sheba sta ancora frequentando lo studente nonostante il suo veto di porre fine alla liason, la situazione precipita. Barbara ancora una volta è persino sincera nel voler mettere in guardia Sheba dai rischi che sta correndo.

"Credi che lui ricambi le tue attenzioni sdolcinate? Oh certo! Sarà affascinato dagli squallidi appetiti di una matura signora borghese con problemi coniugali! Non sai quanto siano crudeli gli adolescenti. Io li conosco. Quando sarà sazio ti butterà come uno straccio vecchio! Non sei più una ragazzina."

A partire da questo momento la donna si autoconvince che il suo rapporto con Sheba sia una specie di platonica storia d'amore. Una visione completamente distorta della realtà, un'enorme menzogna che non può non ritorcersi contro con effetti catastrofici. Quando la giovane si trova costretta a scegliere tra l'amica e la sua famiglia, la vendetta scatta subdola ed inesorabile. La scena in cui Barbara circuisce il collega ed accende la miccia dello scandalo semplicemente insinuando il sospetto della relazione illegale, è un trionfo attoriale. Judi Dench è micidiale ed implacabile, un cervello astuto che afferra immediatamente la possibilità di una vendetta e porta il suo interlocutore lì dove lei vuole che arrivi. Nel passaggio successivo c'è tutto il dolore e il rancore del personaggio.

"Le persone come Sheba sono convinte di sapere cosa significhi essere soli. Ma della tortura del lento sgocciolio della vera, infinita solitudine non sanno niente".

E Cate? Quando la verità sulla manipolazione viene a galla, le due donne si affrontano in una stupefacente scena madre e noi spettatori assistiamo con la bava alla bocca ad uno dei duelli più intensi degli ultimi anni. Sheba finalmente sputa il rospo e vomita addosso alla sua carnefice tutto quello che pensa veramente di lei. Poi si dà in pasto ai giornalisti urlando con tutta la rabbia e la disperazione che ha in corpo. Di solito controllatissima, Cate Blanchett qui molla le redini e si lascia andare. Il momento dell'urlo è di una potenza dilaniante ed è probabilmente la scena più toccante del film.

voto: 8

Film che fanno male (2): Antichrist

2010-05-03T04:26:00.000-07:00

Illuminazione del giorno dopo: il vero anticristo non è la donna-strega, tanto ignobilmente rappresentata in questo incubo confuso, predicatorio e autocompiaciuto. Un incubo attraversato da contraddizioni psicologiche di ogni sorta e da un immaginario erotico/satanico che si vorrebbe raffinato (la fotografia è lussuosa, lo scenario horror della baita nel bosco di sicuro effetto) ma rischia di essere soltanto ridicolo. No, il vero anticristo è il regista stesso.

Lontano dal melo' miracoloso de Le onde del destino (il suo film più puro?) e dal rigore spietato di Dogville, Lars Von Trier inscena ossessioni e turbe personalissime praticamente senza alcun filtro, tanto basica è l'elaborazione drammaturgica e il gioco dei rapporti tra i due protagonisti. E' come se noi spettatori avessimo direttamente accesso ai suoi pensieri e al suo cervello, ahimé, un po' disturbato, perlomeno riguardo al rapporto con l'altro sesso. Che la sua atroce misoginia nasconda un'omosessualità latente mai accettata?

Ovviamente scherzo, ma suggerirei al regista danese di andare in analisi o, nel caso ci andasse già, di cambiare psicanalista (o cambiare pusher...), piuttosto che rendere pubbliche le sue privatissime angosce imbastendo un raccontino pretestuoso il cui unico scopo è far aggirare Charlotte Gainsbourgh indemoniata in mezzo ad un bosco avvolto dalla nebbia (con in mano una pala, una chiave inglese, un paio di forbici e via precipitando).

Dopo i primi 10 minuti già avvertivo il fastidio di assistere ad uno scherzo travestito da film d'arte in cui non c'era nessuna possibilità di riconoscersi, identificarsi o tantomeno rintracciare non dico un messaggio (che brutta parola) ma almeno la possibilità di una trasfigurazione del delirio privato (leggi: piccolo, misero) di Von Trier in qualcosa di universalmente necessario. Il regista è invece interessato solo a scioccare lo spettatore con le sue brutture. Infarcisce il suo kammerspiel con un simbolismo d'accatto ed uno psicologismo sdentato e gioca nella maniera più subdola possibile con la morbosità stessa della spettatore. Che, ignaro di rendere un servizio al diavolo, resta a guardare il gioco al massacro tra marito e moglie per vedere non cosa accadrà alla fine, ma fino a che punto il direttore d'orchestra ha avuto il coraggio di spingersi. In questo Von Trier è diabolico e geniale, bisogna rendergliene atto. Ma per far leva sugli istinti voyeuristici e masochistici più bassi degli spettatori è ignobile ed immorale.

La storia in due parole: la difficile elaborazione del lutto del figlioletto (incidentalmente caduto dalla finestra mentre i genitori copulavano al ralenti in un sofisticatissimo bianco e nero) si trasforma in un'esplorazione della psiche contorta di mamma Charlotte Gainsbourgh (ammirevole, ma poverina: è caduta in depressione per due mesi dopo la fine delle riprese... qualcuno fermi Von Trier!!!). Papà Willem Dafoe (immoto come al solito) è, guarda caso, uno psicoterapeuta e decide di curare lui stesso la moglie, portandola nel luogo dove lei ha più paura di tornare: Eden, una baita in mezzo al bosco dove aveva trascorso l'estate precedente insieme al figlio mentre faceva le ricerche per la tesi. Ed è nella tesi la spiegazione dell'arcano: l'argomento è la persecuzione delle donne tacciate di stregoneria nel corso dei secoli. L'idea di partenza era quella di documentare l'innocenza di queste povere donne, ma più Charlotte si addentrava nei suoi studi avvolta dall'isolamento della baita, più iniziava a maturare la certezza della malignità della natura e della cattiveria insita nell'animo femminile. Insomma, queste streghe non erano affatto innocenti.

Dal momento in cui Dafoe fa due più due ed identifica la moglie con una strega, non c'è limite alla follia persecutoria della donna (letteralmente impazzita) e al vortice di orrore che Von Trier ci costringe a vedere. I momenti top sono in crescendo: la castrazione di lui, un atto masturbatorio che termina con una bella eiaculazione di sangue, l'automutilazione di lei (quest'ultima davvero insostenibile), fino all'epilogo in cui Dafoe uccide e brucia la Gainsbourgh legandola ad un palo proprio come si faceva con le streghe nel medioevo.

A poco vale il colpo di scena finale che svela le ragioni del terribile senso di colpa del personaggio di Charlotte. Con gli occhi pieni di orrore e di sdegno, c'è solo qualcosa che vorresti fare: tornare indietro nel tempo e scegliere un altro film. Oppure, meglio: rovesciare un secchio di acqua gelata su Von Trier e costringerlo a rivedere Le onde del destino. Sperando torni a fare film così.

voto: 4

Film che fanno male (1): Requiem for a dream

2010-05-03T03:31:00.000-07:00

Week end punitivo? Mood masochistico? Preoccupante cupio dissolvi? Necessità di disintossicarmi dalla sindrome-Blanchett? Ieri ho visto in fila due dei film più controversi, inclassificabili, maledetti e terrificanti degli ultimi dieci anni: Requiem for a dream di Darren Aronofsky (2000) e Antichrist di Lars Von Trier (2009). Devo aver associato le due visioni intuendo che difficilmente avrei trovato, in un altro momento, il coraggio di approcciare questi film. Quindi due al prezzo di uno. Per Antichrist rimando al prossimo post; subito dopo si ritorna a respirare con la retrospettiva su Cate Blanchett.

Piaccia o no lo stile esccessivo e provocatorio di Aronofsky, Requiem for a dream è un'esperienza visiva ed emotiva difficile da dimenticare. E non a caso il film è diventato un cult movie, oltre ad aver raccolto nomination in ogni dove per la prova di Ellen Burstyn (ma anche Jared Leto e Jennifer Connelly sono straordinari).

Diviso in tre capitoli, Summer, Fall e Winter, che scandiscono le tappe di una discesa agli inferi senza ritorno (manca ovviamente la rinascita rappresentata dalla Primavera), il film ruota intorno alla vita di Sarah Goldfarb (una Burstyn che non ha paura di apparire patetica e mostruosa), casalinga in sovrappeso che passa le giornate a guardare orribili show commerciali in tv, e di suo figlio Harry, tossicodipendente impegnato con ogni mezzo a procurarsi l’eroina per sé, la sua ragazza Marion e l’amico Tyrone. Quando un giorno Sarah viene selezionata come probabile concorrente di un programma, il suo unico obiettivo diventa quello di dimagrire in vista della sua apparizione in tv ed inizia una dieta a base di anfetamine. Chiusa in casa nell’attesa di ricevere la convocazione allo show e realizzare il suo sogno di indossare in tv il suo bel vestito rosso, Sarah diventa sempre più dipendente dalle pillole dimagranti, finendo in un vortice allucinatorio senza speranza che la porterà dritta dritta in un istituto psichiatrico.

Contemporaneamente Harry e Tyrone spacciano eroina per mettere soldi da parte e fare la bella vita, ma le cose precipitano dopo una sparatoria in cui Tyrone resta coinvolto e tutto il denaro viene utilizzato per pagare la cauzione. Procurarsi eroina diventa sempre più difficile e l’astinenza getta il gruppo in uno stato di tensione insostenibile. Marion finisce col prostituirsi per poter comprare la droga, mentre Harry e Tyrone partono per un viaggio in Florida nella speranza di fare accordi direttamente coi trafficanti e ripartire da zero. Ma il braccio di Harry, su cui continua ad infierire con pesanti iniezioni di eroina, sembra essersi infettato… Finale tragico per tutti.

Aronofsky indaga più tipi di dipendenza: dalla tv, coi suoi falsi miti del successo e della bellezza, dalle pillole dimagranti, dalla droga. E le mette tutte sullo stesso piano con grande efficacia drammatica, mescolando una grande varietà di tecniche di ripresa allo scopo di stupire, provocare e sconvolgere lo spettatore: split-screen, primi piani ravvicinatissimi, riprese a velocità accelerata, prospettive distorte che mirano a rendere il punto di vista allucinato dei personaggi. Le differenti scelte stilistiche sono comunque funzionali: per rappresentare il momento dell’iniezione di eroina, ad esempio, ricorre ad un montaggio di inquadrature brevissime che, ripetute in modo ossessivo, producono un effetto sempre più respingente. A questo montaggio ipnotico e sincopato alterna inquadrature senza stacchi in cui segue i personaggi adoperando la snorricam, una camera legata direttamente al corpo dell’attore che determina un senso di vertigine per lo spettatore oltre a suggerire la prospettiva interna, spesso alterata, del personaggio.

Il tutto accompagnato dalla drammatica partitura di Clint Mansell Lux Aeterna, una composizione per quartetto di archi che contribuisce all’atmosfera fredda, dissonante, straniante del racconto ed ha avuto uno straordinario successo anche al di là del film. Requiem è un’opera potente ed ossessiva, forse un po’ furba e programmatica nel frullare con abilità stili e metodi di ripresa e nel rappresentare personaggi votati sin dall'inizio ad una fine atroce, ma è auntentica e sanguinante e, senza dubbio, narrativamente efficace. Tutta l’ultima parte è un incubo pazzesco, ben oltre qualsiasi altra cosa abbiate mai visto sullo schermo. Ha coraggio Aronofsky, presunzione e una gran bella faccia tosta: il rischio della provocazione gratuita resta ed Aronofsky sembra a volte fin troppo compiaciuto nel far raschiare ai suoi disperati protagonisti il fondo della loro miseria non risparmiando nulla né a loro né ai poveri spettatori. Ma il messaggio arriva dritto al cuore, alla testa e agli occhi con una forza deflagrante.

voto: 7

To Pfeiffer on her 52 birthday

2010-04-30T00:40:00.000-07:00

Grazie a Jose su thefilmexperience.net per avermi ricordato che ieri, 29 aprile, Michelle Pfeiffer ha compiuto 52 anni. Una svista imperdonabile, da parte mia, da sempre devoto discepolo della divina. Mi prostro ai suoi piedi e rinnovo la dichiarazione di imperituro amore. Ancora nessun nuovo progetto in arrivo. Dall'alto del suo semi-ritiro post Chéri, Michelle ha probabilmente scelto la famiglia e la vita. Nuova Greta Garbo. Noi attendiamo un cenno, uno sguardo, un ritorno, consapevoli che quello che ha fatto è (comunque) tanto, forse troppo. Nessuna (più) come lei. Buon compleanno Michelle.

Blanchett sfinge enigmatica in "Intrigo a Berlino"

2010-04-29T08:18:00.000-07:00

Subito dopo l'Oscar come miglior attrice non protagonista per The Aviator, Cate Blanchett ha continuato a macinare generi e ruoli diversissimi tra loro con la costanza di una macchina da guerra infaticabile. Le sue interpretazioni tra il 2006 e il 2007 danno un'ulteriore prova della sua versatilità e della sua capacità di scomparire nei personaggi, modificando aspetto, fisicità, timbro della voce, accento e persino (la cosa più difficile) ritmo e tempi interiori. Se il punto più alto della sua arte è finora rappresentato dalla performance di Bob Dylan in Io non sono qui (grado massimo di perfezione tecnica) e dall'appassionata Sheba Hart di Diario di uno scandalo (grado massimo di abbandono emotivo), nel 2006 la Blanchett è apparsa anche in Babel e nel curioso The Good German - Intrigo a Berlino di Steven Soderbergh.

Ed è su questo film che vorrei soffermarmi, a prescindere dal suo risultato semi-fallimentare. Nel ruolo della misteriosa Lena Brandt, ebrea sposata al matematico nazista Emil Brandt in fuga nella Berlino post bellica, la Blanchett trascende il film stesso con la sua magnetica bellezza, risollevando l'attenzione dello spettatore in ogni fotogramma in cui appare. Ed anche se Soderbergh, in pieno mood da gelido studente di cinema tutto cervello e niente cuore, usa il personaggio (e di conseguenza l'interprete) come una mera funzione narrativa ed iconografica attraverso cui ricalcare gli stilemi del noir classico, Cate è l'unica a salvarsi dal naufragio del film, assieme alla strepitosa fotografia in bianco e nero.

Tratto dal romanzo di Joseph Kanon, Intrigo a Berlino offre a Soderbergh l'occasione per sfoderare la sua cinefilia rivisitando il cinema noir; operazione sulla carta molto affascinante, ma che sullo schermo si risolve in uno sterile esercizio di stile. Soderbergh non gira un semplice omaggio, ma un vero e proprio calco, recuperando, anzi, imitando stilemi ed inquadrature degli anni '40. La fotografia contrastata di taglio espressionista è assolutamente magnifica ed a volte si ha davvero l'impressione di vedere un film di quel periodo. Ma se l'involucro abbaglia, il contenuto non ha un briciolo della profondità, del simbolismo e della visionarietà del noir classico. La trama è inutilmente involuta, gli aggiornamenti riguardo alla rappresentazione della sessualità e della violenza non stabiliscono nessun ponte con la contemporaneità e persino il finale alla Casablanca suona finto e forzato. Tra l'enciclopedia del cinema che fu e l'esperimento fine a se stesso di un regista che si crede il primo della classe ma è incapace di infondere vita alle sue marionette, Intrigo a Berlino è irritante e pretenzioso, e non va oltre il fascino decadente di un vecchio giocattolo restaurato.

E gli attori? Clooney, anche quando gioca apertamente a fare il moderno Cary Grant, è sempre e soltanto Clooney, mentre Tobey McGuire si cimenta in un ruolo negativo ben oltre le sue possibilità. La Blanchett merita un discorso a parte, essendo l'unica completamente a proprio agio nell'universo cinematografico di modelli e riferimenti evocati da Soderbergh con tanta maniacale perizia. Nel momento in cui appare sullo schermo Cate Blanchett/Lena Brandt sembra davvero emergere da un film degli anni '40, vestita, pettinata, illuminata ed inquadrata come un vera dark lady del passato.

Da un punto di vista narrativo e visivo il personaggio di Lena è una fotocopia letterale dello stereotipo della donna fatale: infida, ingannevole, incredibilmente bella e pericolosa. Soprattutto inconoscibile: quali sono i suoi segreti? Quali i suoi scopi? Quando mente e quando è sincera?

Mora e tentatrice, volto immobile e sguardo da sfinge, voce calda e sensuale ed un inconfondibile accento tedesco, la Lena di Cate Blanchett è chiaramente costruita sul fascino enigmatico di Marlene Dietrich e sulla Ilsa di Ingrid Bergman in Casablanca, ed è un altro perfetto esempio del trasformismo dell'attice. Questa volta non è chiamata a mimetizzarsi nei panni di un personaggio realmente esistito, come Katherine Hepburn o Bob Dylan, ma ad incarnare un'idea stessa di femminilità, uno stereotipo portato sullo schermo migliaia di volte. Come tale deve essere immediatamente riconoscibile e, trattandosi di un film che ne omaggia mille altri, anche il suo calco deve essere la summa di tutte le dark lady possibili.

L'attrice fa ancora una volta centro: modella look e tempi recitativi sull'aplomb glaciale della Dietrich, ed arriva a fondersi perfettamente non solo con l'ambiente storico ma con il tessuto stesso del film. Diventa pura materia di cinema sulla cui superficie traslucida convivono passato e presente in un vertiginoso corto circuito postmoderno. Così facendo Cate mette a fuoco l'obiettivo finale del regista: resuscitare fantasmi. Ed è la sola che ci riesce.

Voto: 5 (al film, ma 8 alla Blanchett)

"You Don't Know Jack": Al Pacino e il diritto di morire

2010-04-29T07:53:00.001-07:00

Prodotto dalla HBO e diretto da Barry Levinson, You don't know Jack è andato in onda negli USA sabato 24 aprile e già si parla di nomination ai prossimi Emmy per il suo protagonista, il grandissimo Al Pacino. L'attore ha già vinto un Golden Globe e un Emmy award come attore drammatico di una miniserie televisiva per Angels in America nel 2003, e una nuova valanga di premi potrebbe arrivare per la sua interpretazione di Jack Kevorkian nel nuovo biopic HBO.
Noto anche come Dottor Morte, Kevorkian ha praticato l'eutanasia su oltre 130 pazienti affetti da patologie allo stato terminale, sostenendo il diritto di ogni paziente a morire attraverso il suicidio assistito. Dopo aver scontato otto anni di carcere con l'accusa di omicidio di secondo grado, è stato rilasciato nel 2007 per buona condotta.

Tra gli altri interpreti del film, accolto dall'entusiasmo generale della critica statunitense, anche Susan Sarandon e John Goodman. Chissà perché ma ho la sensazione che, con un soggetto del genere, non vedremo mai questo film in Italia...

In "Heaven" con Cate e Ribisi

2010-04-28T01:06:00.001-07:00

Diretto da Tom Tykwer dopo il successo internazionale di Run, Lola, Run, e basato su una sceneggiatura di Kieslowki (primo capitolo di una trilogia che avrebbe dovuto comprendere anche Hell e Purgatory), Heaven è un film irrisolto e misconosciuto, ma assolutamente affascinante. E, dato non trascurabile, si avvale di una delle più sensazionali performance di Cate Blanchett, qui al suo massimo grado di purezza, accompagnata da un Giovanni Ribisi meraviglioso per intensità e candore. Il plot è quantomeno bizzarro ed insolito, e mescola crime story, thriller, dramma e romance con tale leggerezza (se non ingenuità) e sprezzo della verosimiglianza che risulta subito chiaro quanto la trama sia metaforica, un semplice pretesto per riflettere su qualcos'altro: la natura umana e temi universali quali la vendetta, la colpa, la redenzione e l'amore. In questo senso Heaven è un film filosofico, coraggioso, forse addirittura sbagliato (all'uscita fu un fiasco clamoroso), ma unico nel suo genere. Merito dell'abbagliante stile visivo di Tykwer, che disegna spazi ed inquadrature di una limpidezza straniante ed imprime all'azione un ritmo lento, sospeso, carico di tensione non solo psicologica, ma addirittura metafisica, grazie al supporto della stupenda fotografia di Frank Griebe.

Interamente girato in Italia tra Torino e Montepulciano, con attori impegnati a recitare sia in inglese che in italiano, Heaven racconta la storia di Philippa, un'insegnante inglese che, dopo aver inutilmente segnalato alla polizia il coinvolgimento di un uomo nella morte per overdose di suo marito, decide di farsi giustizia da sola. Il suo piano però fallisce miseramente: nello scoppio della bomba da lei stessa fabbricata perdono la vita quattro persone innocenti e Philippa viene accusata di associazione terroristica. Filippo, il giovane, silenzioso carabiniere che fa da traduttore nel corso dell'interrogatorio, si innamora di lei e l'aiuta ad evadere. Insieme attraverseranno l'Italia e troveranno rifugio nelle campagne toscane. Ma sarà quasi impossibile sfuggire alle ricerche dei carabinieri...

Dimenticate la trama e lasciatevi incantare dalla magia delle immagini e dalle atmosfere ovattate e celestiali; celestiali, però, non in senso iconografico (a parte il magnifico finale, con la corsa sulla collina, l'amore ai piedi del grande albero e la fuga verso il cielo... da brivido), ma in termini di dilatazione spazio-temporale, con effetti di irrealtà avvolgente. Tykwer trasforma un'assurda storia thriller in un poetico inno alla vita e alla libertà, ma il risultato non sarebbe lo stesso senza Blanchett e Ribisi: la loro alchimia è semplicemente commovente, il loro progressivo avvicinamento psicologico e fisico sconvolgente e naturalissimo. Nell'ultima parte, in cerca di riparo e redenzione nell'abbraccio della natura, i due protagonisti indossano lo stesso costume neutro (jeans e maglietta bianca), si rasano a zero i capelli, adottando un look che annulla ogni differenza e li rende identici, quasi fratelli (non a caso hanno lo stesso nome). A poco a poco, diventano, per amore, una cosa sola: esseri umani liberi e puri. Così umani, senza maschere, senza trucchi, senza orpelli, da rappresentare l'umanità al grado zero, primordiale. Così umani... da sembrare alieni: indifesi, innocenti nonostante la colpa, ma felici.

Rasata eppur bellissima, Cate Blanchett sfodera nella tenuta del primo piano e nella luminosità dello sguardo un'intensità ed un abbandono lontani dai tecnicismi e dagli istrionismi mimetici di cui è assoluta maestra. L'essere umano primordiale al quale Philippa e Filippo ritornano nel finale è anche l'Attore al grado massimo di neutralità e disponibilità di fronte al personaggio, all'azione e alle emozioni: nudo, naturale, aperto. Una pagina bianca pronta ad accogliere qualsiasi sentimento e psicologia. I personaggi/attori si annullano per poter essere universali ed esprimere tutta l'unicità e la molteplicità della vita nel loro corpo/sguardo. Guidati dalla mano ispirata di Tykwer, Blanchett e Ribisi accettano la sfida e volano verso il cielo. Quasi impossibile separare le due prove attoriali: sono un'unica, miracolosa performance.

Voto: 7

Celebrating Blanchett

2010-04-27T12:56:00.000-07:00

Countdown per l'uscita di Robin Hood il prossimo 12 maggio. Per celebrare il ritorno sul grande schermo di Cate The Great in arrivo una serie di post dedicati alle sue migliori performance. Fan della Blanchett, tenete pronte le vostre classifiche!

Chi ha paura di Anjelica Huston?

2010-04-27T03:45:00.000-07:00

All'inizio degli anni '90 era al massimo della forma e al culmine della carriera. Aveva già conquistato l'Oscar come non protagonista per la sexy e vendicativa Maerose de L'onore dei Prizzi (oltre ad una seconda nomination per Nemici, una storia d'amore di Mazursky) e brillato di dolente intensità in The Dead, film testamento del padre John tratto da Joyce. Negli anni successivi avrebbe anche ottenuto uno straordinario successo al box office in quello che resta il suo ruolo più popolare e riconoscibile, la nerissima Morticia de La Famiglia Addams (una parte cucita addosso al suo imponente carisma, interpretata con gusto e stile sublimi). Ma il 1990 fu decisamente il suo anno: Stephen Frears le regala la parte della vita in The Grifters (la tragica, agghiacciante Lilly) e Nicolas Roeg la trasforma definitivamente in strega in The Witches (Chi ha paura delle streghe?). E non in una strega qualsiasi ma nella Strega Suprema, la più terribile di tutte.

Rincorrevo da anni questa piccola gemma del 1990, tratta dal bel racconto di Roal Dahl (lo stesso di Fantastic Mr Fox) e diretta con grande ironia, sottile inquietudine e travolgente gusto fantasy da Roeg. Si tratta di una gustosissima favola horror non solo rivolta ai bambini: il complotto delle streghe, decise a trasformare in piccoli ratti tutti i bambini d'Inghilterra, è una stringente metafora della crudeltà degli adulti verso i più innocenti. Bellissimo il prologo gotico in cui la nonna spiega al piccolo protagonista come riconoscere una strega e gli racconta la storia di una bambina rapita da una vicina di casa e da allora per sempre intrappolata in un dipinto. Perché le streghe sono orribili megere calve, perfide e gracchianti, ma si vestono da donne rispettabili indossando maschere e parrucche per aggirarsi inosservate in mezzo alla gente e continuare ad uccidere bambini.

Dopo la tragica morte dei genitori, il piccolo Luke va in vacanza in Inghilterra con la nonna. Ma l'albergo dove alloggiano ospita anche la riunione annuale della congregazione delle streghe, guidate dall'altezzosa Eva Ernst, la cui maschera di algida, regale bellezza nasconde l'orrendo volto della Strega Suprema. Luke si trova quindi nella tana del lupo e sarà facile preda delle affamate signore, ma dopo rocambolesche avventure riuscirà a sventare il loro piano diabolico. In bizzarro equilibrio tra grottesco, fiaba ed horror, il film mantiene fino alla fine un sottile sottotesto disturbante nonostante il posticcio happy end imposto dalla produzione.

Naturalmente il valore aggiunto del film è la presenza di una Anjelica Huston sfolgorante nel ruolo della Strega Suprema: una performance di stilizzata, sciocca perfidia, tutta giocata su irresistibili espressioni del viso, statuarie pose da vamp ed enfasi teatrale. La camera la inquadra spesso dal basso, per accentuarne l'imponenza fisica e la Huston si impadronisce della scena da vera regina del male. Se in questo film è deliziosamente sopra le righe, ne La famiglia Addams conserverà la statuaria, sensuale imperiosità della strega asciugando tutta l'enfasi in elettrizzante immobilità e sotterranea ironia. In entrambi i casi due geniali performance cartoonesche che solo un'altra grande strega dello schermo è riuscita a superare: Glenn Close - Crudelia de Mon ne La carica dei 101.

Voto: 7

Dal nuovo Soldini volevamo di più

2010-04-27T03:43:00.001-07:00

Cosa voglio di più? Magari non il solito film italiano sulla crisi economica, sulle famiglie che non riescono ad arrivare alla fine del mese, sulle avventure extraconiugali vissute come valvola di sfogo e fuga (impossibile) da una vita grigia fatta di conti e pannolini, sulla passione che scoppia improvvisa quando e dove meno te l'aspetti, sull'amore che (finalmente) arriva ma è (quasi) sempre il momento sbagliato, sull'amore che ti costringe a mettere in dubbio le tue strutture, le tue certezze, la tua vita e gli affetti delle persone a te più care. Fino a che punto posso chiedere di più dalla mia vita ed aspirare ad essere più "felice" di come si suppone che io sia senza fare del male agli altri?

Provate a pensare a quante altre volte abbiamo visto, letto, sentito una storia del genere. Il soggetto è quanto di più trito si possa immaginare, e non basta l'idea di ambientare una passione clandestina (da un punto di vista letterario legata soprattutto ad un contesto borghese) fra personaggi di bassa estrazione sociale (sarebbe questo l'elemento di presunta novità?) per tener desto l'interesse dopo i primi 15 minuti. Per fortuna la sceneggiatura e soprattutto la regia di Silvio Soldini sono attente ai dettagli ed alle sfumature nascoste fra le pieghe dei dialoghi, nei silenzi e negli sguardi dei personaggi. Pierfrancesco Favino e Alba Rohrwacher sono molto bravi nel mettere in scena con sincerità e generosità il tipico gioco delle parti ed alcuni personaggi di contorno sono ben schizzati (anche se il casting di Battiston in coppia con la Rohrwacher stride un po' troppo sin dall'inizio). Molto bello ed intenso il finale aperto, ma lancio una preghiera a regista e sceneggiatori: la prossima volta non fermatevi alla prima idea che vi viene in mente quando dovete scrivere un film...

voto: 6

Tutti in piazza per "Agora"

2010-04-23T02:34:00.001-07:00

L'attesa è terminata. Da oggi il bellissimo ed importante Agora di Alejandro Amenabar (con una stupenda Rachel Weisz) invade le sale italiane in 238 copie: un atto di fede nel potere e nella funzione culturale del cinema. La mia recensione è su Loudvision al link:
http://www.loudvision.it/cinema-film-agora--1028.html

Mentre a questa pagina trovate una rubrica di approfondimento sulle libertà romanzesche del film rispetto alla verità storica:
http://www.loudvision.it/rubriche-agora-tra-storia-e-rielaborazione-romanzesca--754.html

Tutti al cinema, questo week end. E' (quasi) un obbligo morale.

Modern Divas: addicted to Glenn Close (and Damages)

2010-04-21T03:35:00.000-07:00

In occasione venerdì 23 della messa in onda su AXN del primo episodio della terza stagione di Damages, Loudvision pubblica un mio zoom sul serial già ampiamente sviscerato - e venerato - su queste pagine. L'ultima puntata è stata trasmessa in America il 10 aprile e subito dopo si è diffusa la notizia che la serie potrebbe essere cancellata, visto gli ascolti tutt'altro che esaltanti. Critica, invece, universalmente unanime come (troppo) spesso accade per i prodotti di alta qualità.

Sempre su Loudvision un profilo di Glenn Close apre la mia nuova rubrica Modern Divas, una galleria di ritratti dedicata alle più grandi attrici degli ultimi anni. Prossimi appuntamenti con Cate Blanchett (in vista dell'uscita di Robin Hood) e Meryl Streep.

http://www.loudvision.it/rubriche-damages-legal-thriller-dalla-geniale-costruzione-temporale--746.html

http://www.loudvision.it/rubriche-modern-divas-glenn-close-carisma-ferale--750.html

Gotico polanskiano

2010-04-19T14:40:00.000-07:00

Lo scrittore inglese Ewan McGregor (giustamente il suo personaggio non ha nome, è un signor Nessuno) è assunto (per 250mila dollari) come ghostwriter dell'ex premier britannico Adam Lang (Tony Blair?), che ha il volto televisivo sorridente e plastificato di Pierce Brosnan. Deve rivedere e correggere l'autobiografia del politico, praticamente già scritta dal suo predecessore, trovato morto sulla spiaggia in circostanze misteriose. Suicidio o omicidio? Il giorno stesso in cui Ewan raggiunge in America la villa-bunker sull'isola al largo della costa atlantica dove Lang vive assieme alla moglie Ruth (Olivia Williams), all'amante-segretaria Amanda Bly (Kim Cattrall) e al suo staff, il politico viene accusato dal tribunale internazionale dell'Aia di crimini di guerra: ha illegalmente rapito e passato alla Cia dei (potenziali) terroristi e li ha fatti torturare. Il povero scrittore non farà in tempo a pentirsi di aver accettato l'incarico che finisce coinvolto in un intrigo ben al di là della sua portata.

Roman Polanski in zona Frantic sforna un thriller eccellente, anti-americano e anti-politico, con uno sguardo al classicismo, tra suspence hitchcockiana, atmosfere gotiche (la casa sull'isola, la pioggia battente) e convenzioni noir (l'uomo comune travolto da eventi straordinari, la donna infida), e uno sguardo (di un pessimismo senza speranza) alla Storia attuale. Film geometrico nella struttura e nel design, cupo ed allarmante (fotografia livida e colonna sonora alla Bernard Hermann di Desplat), in cui McGregor si conferma un perfetto James Stewart del nostro tempo ed Olivia Williams incarna un'insinuante, sottile variante della dark lady del noir classico. Non c'è un'inquadratura superflua o fuori posto, la sceneggiatura scorre matematica tra sequenze memorabili e luoghi topici (il traghetto, l'inseguimento) in una spirale kafkiana di sospetti, cospirazioni e pericoli sempre più angosciante. Grandissimo finale.

Voto: 9

"Oltre le regole - The Messanger": la recensione

2010-04-18T05:56:00.001-07:00

Da eroe di guerra a messaggero di morte per conto del governo, il viaggio interiore del sergente Will Montgomery alla ricerca di un barlume di umanità nell'incontro con i parenti dei caduti in Iraq. La mia recensione di Oltre le regole - The Messanger è su Loudvision al link:
http://www.loudvision.it/cinema-film-oltre-le-regole-the-messenger--1020.html

voto: 7

Best Confidential Awards: aggiornamento nominations attori

2010-04-17T14:23:00.000-07:00

Appena visto Oltre le regole - The Messanger, tra le nuove uscite di questo week-end. Ogni commento sull'inappropriato titolo italiano sarebbe superfluo e fin troppo facile. A parte questo dettaglio, il film è davvero notevole e rischia di passare ingiustamente inosservato. Candidato a due premi Oscar (attore non protagonista e sceneggiatura originale) e Orso d'argento per la miglior sceneggiatura al Festival di Berlino 2009, The Messanger è un' opera prima compatta e rigorosa, e si avvale di un formidabile tris d'attori che impone un immediato aggiornamento delle candidature ai Best Confidential Awards 2009-2010.

Credevo che la cinquina best actor fosse ormai inespugnabile, ed invece la performance di Ben Foster è troppo potente ed intensa per essere ignorata. Nel ruolo del sergente Will Montgomery, eroe di guerra in attesa di congedo assegnato al reparto notificazione vittime, Foster è in grado di sfumare il dolore trattenuto e la rabbia del protagonista in modo eccellente, dando vita ad una performance in sottotono di altissimo livello anche grazie ad uno script di invidiabile asciuttezza e precisione nella definizione dei caratteri. Foster entra così nella cinquina dei migliori attori della stagione 2009 -2010 al posto di... Jeff Bridges in Crazy Heart!

No, non sono impazzito, ho apprezzato la prova premio Oscar del grande Jeff (molto meno il film ...) ma ho amato molto di più il sottovalutato Michael Stuhlbarg, geniale, buffo e quasi chapliniano in A Serious Man. Gli altri tre nominati (Firth, Phoenix e Rahim) restano inamovibili. La categoria best actor risulta così composta:
Colin Firth - A Single Man; Ben Foster - The Messanger; Joaquin Phoenix - Two Lovers; Tahar Rahim - Un Prophet; Michael Stulbarg - A Serious Man.
Jeff Bridges resta così fuori ma è in buona compagnia: tra le grandi interpretazioni dell'anno ci sono anche Jeremy Renner per The Hurt Locker, Johnny Depp per Nemico pubblico, George Clooney per Tra le nuvole e James McAvoy per The Last Station. Se i posti fossero dieci ci sarebbe spazio per tutti...

A differenza di Ben Foster, Woody Harrelson ha ricevuto una candidatura all'Oscar come non protagonista e pareva l'unico in grado di soffiare il premio a Christoph Waltz. Così non è stato, ma il suo Capitano Stone è una grande prova d'attore, un concentrato di tensione, frustrazione e fragilità dietro una maschera di freddezza e cinismo che Harrelson costruisce con grande perizia, ironia e consumato tempismo drammatico.

Le due postazioni in bilico nella categoria best supporting actor sono Anthony Mackie per The Hurt Locker e Alec Baldwin per E' complicato. Vorrei mantenere almeno una performance comica in ogni categoria e Baldwin è smagliante comprimario della Streep nella commedia di Nancy Meyers. E' quindi Anthony Mackie a dover cedere il posto ad Harrelson: dopotutto The Messanger è un film d'attori e sceneggiatura, mentre The Hurt Locker è un film di regia e montaggio. I cinque nominati come attori non protagonisti sono:
Alec Baldwin - E' complicato; Woody Harrelson - The Messanger; Christopher Plummer - The Last Station; Stanley Tucci - Amabili resti; Christoph Waltz - Bastardi senza gloria.

A completare questo terremoto nella candidature ai best confidential awards arriva anche Samantha Morton nella categoria miglior attrice non protagonista. La sua vedova di guerra Olivia Pitterson scalza la spassosa ed oltraggiosa nonna Lynn di Susan Sarandon in Amabili resti (molto a malincuore, devo ammettere, ma lo screentime della Sarandon è davvero troppo limitato) e si conquista un posto nella cinquina. Probabilmente è la performance migliore del film: asciutta e dolente, autentica e carica di profonda dignità. Non sembra nemmeno che reciti ed invece il genio è tutto lì, nell'abbandono, nella semplicità, nella naturalezza. Stupendi i primi piani silenziosi, la reazione alla notizia della morte del marito, il monologo in cucina.

Nella speranza di vedere prima o poi anche Precious e l'interpretazione premio Oscar di Mo'nique, la cinquina best supporting actress è così costituita:
Kathy Bates - Chéri; Marion Cotillard - Nine & Nemico pubblico; Vera Farmiga - Tra le nuvole; Julianne Moore - A Single Man; Samantha Morton - The Messanger.

Oltre a Precious, restano da vedere/recuperare Bright Star (in uscita a giugno) e The Blind Side (giusto per dare una chance alla Bullock) prima di annunciare le candidature definitive e i vincitori dell'edizione 2009-2010 dei Best Confidential Awards.

Robin Hood a Cannes

2010-04-15T07:15:00.001-07:00

E' ufficiale: Robin Hood di Ridley Scott aprirà il prossimo Festivale di Cannes. Il mio entusiasmo non è tanto per l'ennesima trasposizione cinematografica della leggenda del ladro gentiluomo (o per l'ennesima collaborazione tra il regista inglese e la sua scontrosa musa, Russell Crowe) ma per il ritorno sullo schermo di Cate Blanchett a due anni di distanza da Benjamin Button e dopo i trionfi teatrali di Un tram che si chiama desiderio. Subito dopo la presentazione a Cannes il film uscirà in tutto il mondo, quindi l'attesa è ormai agli sgoccioli.

E' stato annunciato anche il programma semi-ufficiale del festival. Mancano tre o quattro posizioni da riempire e chissà che la selezione non ci riservi ancora qualche sorpresa. Per il momento pare che l'attesissimo The Tree of Life di Terrence Malick (con Brad Pitt, Sean Penn e Fiona Shaw) non sia ancora pronto, ma anche Inception di Christopher Nolan (con Leo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt e Marion Cotillard) e Miral di Julian Schnabel (con Willem Dafoe e Freida Pinto) non figurano nel programma.

Tra i titoli in concorso c'è grande fermento per Another Year, nuovo film di Mike Leigh, Biutiful di Alejandro Gonzàles Inarritu (con Javier Bardem), Burnt by the sun 2 di Nikita Mikhalkov, Fair Game di Doug Liman con Naomi Watts e Sean Penn, Outrage di Takeshi Kitano e The Princess of Montpensier di Tavernier. Unico titolo italiano in concorso La nostra vita di Daniele Luchetti.

Nella sezione Un Certain Regard spazio, tra gli altri, all'immarcescibile Manoel de Oliveira con Angelica e a Blue Valentine di Derek Cianfrance con la coppia Michelle Williams e Ryan Gosling, già applauditissimi al Sundance. Fuori concorso, oltre al blockbuster di Ridley Scott, anche il nuovo Woody Allen You Will Meet a Tall Dark Stranger (con Naomi Watts, Anthony Hopkins e Josh Brolin), Wall Street 2 di Oliver Stone e Tamara Drewe di Stephen Frears con Gemma Arterton.

Altre news ed info su Cannes nei prossimi giorni.

La giuria del concorso è composta da Tim Burton (presidente), Giovanna Mezzogiorno, Kate Beckinsale, Emmanuel Carrere, Benicio del Toro, Victor Erice e Shekar Kapur. Presidente della giuria della sezione Un Certain Regard è Claire Denis, mentre Atom Egoyan guida la giuria di Cinefondation.

Intervista a Wes Anderson!

2010-04-14T01:34:00.000-07:00

Wes Anderson è a Roma per promuovere l'uscita di Fantastic Mr Fox. Lo abbiamo incontrato alla conferenza stampa del film.

Fantastic Mr Fox rappresenta il suo primo approccio all’animazione. Ha trovato molte differenze rispetto al cinema in live action?
L’obiettivo finale è sempre lo stesso, cercare di dare una forma compiuta a tutto quello che apparirà sullo schermo. Cambia solo il processo e i tempi di lavorazione sono molto più lunghi. Ho trascorso poco tempo sul set, gli animatori hanno lavorato per lo più da soli, ma avevo un grande controllo su tutto quello che accadeva. Il mio compito era di monitorare tutte le professionalità coinvolte e pianificare il lavoro di ognuno.

Ci parli in modo più dettagliato del lavoro di animazione.
E’ stato tutto molto lento e meticoloso, non siamo partiti da una visione unitaria predefinita. All’inizio avevamo solo i disegni dei pupazzi e per realizzarli ci sono voluti sei mesi. Subito dopo abbiamo iniziato ad immaginare gli ambienti in cui questi pupazzi si sarebbero mossi ed abbiamo inventato il design del film e costruito le scenografie. Devo dire che gli animatori sono stati davvero fantastici, in pratica sono dei mezzi attori: non si trattava solo di dar voce o far muovere i pupazzi, ma di farli vivere, farli sembrare veri. Per far questo non si sono limitati a seguire le indicazioni ma hanno messo nel lavoro tutta la loro personalità e spontaneità.

Ci sono molte differenze rispetto al libro originale di Roald Dahl?
Trattandosi di un racconto breve, abbiamo utilizzato tutta la storia originale arricchendo il materiale narrativo con l'inserimento di dettagli e personaggi nuovi. Abbiamo anche aggiunto un prologo ed un epilogo che non sono presenti nel racconto.

A cosa si è ispirato nel corso della lavorazione?
In genere quando inizio a lavorare ad un progetto prendo spunto da diversi libri, dipinti e film che ho annotato in fase di sceneggiatura, ma per Mr Fox, avendo già a disposizione un racconto, non ho pensato a molte altre cose cui potermi collegare. Se ci sono dei film di animazione che mi hanno ispirato, sono senza dubbio quelli di Hayao Miyazachi e di Isao Takahata. Ma la maggior parte delle idee sono venute dalla vita. Mentre scrivevo lo script ho trascorso molto tempo in Inghilterra a casa dello scrittore e mi sono lasciato ispirare dal paesaggio anglosassone: il centro storico di Bath è stato così d’ispirazione per il design della cittadina che vedete nel film.

Ci sono molti riferimenti anche al cinema western.
Quando devi girare scene come quella dello scontro finale per le strade della cittadina tra i fattori e gli animali è impossibile non riallacciarsi al western. John Ford è il maestro del genere, ma ho pensato anche ai western di Sergio Leone ed Akira Kurosawa, cercando di trarre ispirazione da tutti.

“Credo che abbiamo peggiorato le cose, era meglio restarne fuori”, dice uno dei personaggi. In questa battuta si può leggere una presa di posizione contro la politica del suo paese sotto la presidenza Bush?
L’idea che possa esserci una lettura di questo tipo mi piace molto, ma ogni riferimento resta a livello subconscio. Quando ho fatto vedere il film agli attori che hanno prestato le loro voci ai personaggi (tra cui Geroge Clooney, Meryl Streep, Bill Murray e Willem Dafoe, ndr), uno di loro ha detto che avevamo realizzato un film segretamente politico. Credo che nel libro ci sia qualcosa di anarchico, la storia si presta benissimo ad un’interpretazione comunista. Non abbiamo fatto altro che tradurre il pensiero di Dahl.

Mr Fox richiama gli altri animali al lato selvatico della vita: potrebbe essere un invito affinché l’uomo recuperi il suo lato istintivo?
Questo tema non è presente in modo esplicito nel libro ma, mentre scrivevo la sceneggiatura, mi sono reso conto che era il nucleo del film. Mr Fox vive un conflitto tra il desiderio di addomesticamento borghese e la sua natura selvaggia. E’ il timore di aver smarrito la sua animalità che fa da motore alla storia.

Cosa ci dice della bellissima scena del saluto tra la volpe e il lupo?
Quella scena rappresenta il culmine del film. C’è un simbolismo legato al saluto ma non voglio spiegarlo, preferisco che la scena parli da sé. Ogni volta che realizzo un film sono sempre alla ricerca di un significato personale, ma cerco sempre di non imporre delle interpretazioni univoche. Se ricorro a dei simboli, li lascio indefiniti, in modo che ognuno possa dare la propria interpretazione.

Mr Fox è vestito con abiti umani ma mira a recuperare la sua natura selvaggia. Come mai quando entra in azione come ladro di pollame indossa un passamontagna?
Gli animali che indossano abiti umani rientrano nelle convenzioni delle storie per i bambini. Il passamontagna è una maschera, ma non credo che in questo caso serva a nascondere l’identità dei personaggi, tutt’al più è indossata per rendere il colpo più emozionante. Nel finale anche il figlio Ash riceve finalmente la sua maschera: è un passamontagna con le stelline, ma se ci avessi pensato prima, al posto delle stelline avrei fatto scrivere il suo nome. Annullando in questo modo lo scopo del passamontagna sarebbe stato chiaro che la maschera, più che nascondere, rivela l’identità.

In Mr Fox c’è qualcosa di lei?
Il personaggio di Mr Fox non è stato scritto su di me, ma pensando all’autore Roald Dahl. Mr Fox è completamente forgiato su di lui, sulla sua personalità e sulla sua vita.

In un momento di autoanalisi Mr Fox confessa che ha bisogno sempre di stupire la gente e di dimostrare di essere il più bravo. Neanche questo è un riferimento personale?
E’ una scena che rivela il carattere di Mr Fox, la sua vanità e la sua insicurezza. Chiunque faccia un mestiere come quello del cineasta si espone al giudizio e alle critiche del pubblico. Lo fai solo se ne hai una necessità particolare. È naturale che io mi sia rapportato molto a questa scena, ma credo che Mr Fox abbia una personalità molto più grandiosa della mia. Questo aspetto del personaggio non ha nulla a che fare con Roald Dahl che, a mio avviso, non soffriva di simili insicurezze.

Come i suoi film precedenti anche Fantastic Mr Fox ruota intorno ad una famiglia molto particolare.
Non lo faccio intenzionalmente, ma ogni volta che realizzo un film mi capita di riallacciarmi a quelli che ho fatto in precedenza. Così il tema della famiglia risulta centrale anche nella storia di Mr Fox. In questo caso io e il co-sceneggiatore Noah Baumbach (regista di film apprezzati come Il Calamaro E La Balena, Il Matrimonio Di Mia Sorella e dell’imminente Greenberg con Ben Stiller) abbiamo fatto specifico riferimento alle nostre rispettive famiglie e alla nostra infanzia.

Sin da “Rushmore” nei suoi film ricorre il personaggio di un figlio disadattato quasi sempre interpretato da Jason Schwartzman (in Fantastic Mr Fox presta la voce al piccolo Ash). Possiamo considerarlo una sorta di suo alter ego?
Ho conosciuto Jason ad un provino e mi è piaciuto subito moltissimo. E’ uno dei miei collaboratori chiave, abbiamo scritto insieme la sceneggiatura di Un Treno Per Il Darjeeling e lavorerei con lui all’infinito. In genere mi piace l’idea che ci sia continuità da un film all’altro. Ecco perché uso spesso gli stessi attori, come Bill Murray o Anjelica Huston, che ammiro da sempre. In questo modo lavoro con le persone con cui mi trovo bene e fare un film diventa come una rimpatriata tra amici.

Nell’anno del trionfo del 3D si presenta con un film d’animazione a passo uno tutto realizzato a mano.
Quando faccio un film non parto dall’idea di cosa vuole vedere il pubblico ma cosa interessa a me personalmente. Anche se Mr Fox è un piccolo film ed abbiamo usato tecniche old fashioned, abbiamo trascorso lo stesso tempo impiegato da Cameron per Avatar. Non so se l’impiego del 3D rappresenterà una rivoluzione paragonabile a quella del colore, non so se tutti i film verranno realizzati in 3D. Non credo sia necessario. Certo, l’impatto visivo di Avatar è stupefacente, ma a livello di tecnica il 3D non mi affascina affatto. Al contrario è stato proprio il mio interesse per la stop motion che mi ha spinto a realizzare Fantastic Mr Fox.

Fantastic Mr Anderson

2010-04-13T11:58:00.000-07:00

Segnate l'appuntamento sull'agenda: venerdì esce Fantastic Mr Fox, geniale, eccentrica, imperdibile incursione nel mondo dell'animazione in stop motion dell' enfant prodige del cinema americano Wes Anderson, autore de I Royal Tenenbaum e Un treno per il Darjeeling. Tratto da un racconto di Roald Dahl, scrittore britannico di celebri romanzi per l'infanzia fra cui "La fabbrica di cioccolato", "I Gremlins", "James e la pesca gigante" e "The Witches" (da cui Nicholas Roeg trasse nel 1990 un adattamento con una magnifica Anjelica Huston), e cosceneggiato insieme all'altrettanto appuntito, surreale ed irriverente Noah Baumbach (regista de Il calamaro e la balena, Il matrimonio di mia sorella e dell'imminente Greenberg con Ben Stiller), Fantastic Mr Fox racconta la storia del signor Fox, impenitente ladro di polli, che conduce una vita idilliaca assieme all'amata moglie, al figlio Ash, disadattato e complessato, e all'adorabile, superdotato cugino Kristofferson .

Dopo aver deciso di abbandonare i rischi dell'attività di ladro di pollame in favore di una vita tranquilla e borghese, Mr Fox ha affittato una casa ricavata in un enorme albero in cima alla collina. Ma dalla posizione privilegiata della sua nuova tenuta il richiamo della natura selvaggia ed animalesca torna presto a farsi sentire e la tentazione di riprendere il vecchio vizio di far razzia di polli in barba agli allevatori circostanti si fa sempre più forte. Peccato che questa volta avrà a che fare con i fattori più cattivi e vendicativi che abbia mai incontrato. Mr Fox metterà in pericolo non solo la vita della sua famiglia, ma quella di tutti gli animali del vicinato, costretti a rifugiarsi sottoterra per sfuggire all'assedio delle ruspe dei fattori decisi a stanare ed annientare con ogni mezzo la comunità di piccoli rifugiati.

Eccellente dal punto di vista artistico (bellissimi i colori e il design scenografico), ricchissimo nella caratterizzazione dei personaggi, stratificato nell'uso dei simboli e dei riferimenti cinematografici, accompagnato dall'ennesima travolgente partitura di Alexandre Desplat (compositore che davvero non sbaglia un colpo, qui impegnato nel creare un mondo folk vivace e colorato), Fantastic Mr Fox è un gioiello spassoso e sofisticato, visivamente splendido e dal sorprendente contenuto sovversivo. L'universo strampalato e bizzarro delle famiglie di Wes Anderson trova un'equivalente perfetto, quasi un'immediata traduzione nella famiglia di Mr Fox, mentre la metafora politica si costruisce lentamente a mano a mano che la storia si allarga fino ad abbracciare tutta la comunità di animali in fuga. Una comunità di buffe, umanissime creature del sottosuolo che nell'unione e nella lotta per la comune sopravvivenza troverà la forza per contrastare il pericolo rappresentato dall'uomo.

Anderson continua il suo viaggio personalissimo nel mondo del cinema parlandoci con leggerezza ed acume dell'impossibilità di sfuggire alla propria natura e della felicità che si raggiunge quando ci si riconosce e ci si accetta per quello che si è. Ma ci parla anche della forza del gruppo e dell'importanza della condivisione, dell'amore (commoventi le scene tra marito e moglie) e della crescita personale (bellissima l'evoluzione del rapporto tra padre e figlio ). Senza mai essere predicatorio, ma sempre acuto, candido, libero ed originale.

Voto: 8

Meryl Streep membro onorario dell'Accademia di Arte e Lettere

2010-04-13T11:20:00.000-07:00

The Academy of Arts and Letters è un'istituzione simbolo della cultura artistica americana musicale e letteraria. Fra i suoi membri vanta personalità del calibro di Philip Glass, Frank Gehry, Toni Morrison, Sam Shepard e Philip Roth. Come scrive Guy Lodge su Incontention.it, entrare a far parte dell' Accademia significa essere riconosciuti "fra le menti creative più importanti e stimate del paese" (e quindi del pianeta). Nessun attore ha mai ottenuto tale riconoscimento speciale fino ad oggi: Meryl Streep è la prima artista a venire eletta membro onorario di questa istituzione per i traguardi raggiunti nel campo della recitazione. Prima di lei un simile riconoscimento è stato assegnato solo ad altri due esponenti del mondo del cinema, Martin Scorsese e Woody Allen. Non so se rendo bene l'idea. Il presidente dell'Accademia, il poeta J.D. Clatchy, ha definito il lavoro della Streep straordinario "per intuito, profondità e virtuosismo". Congratulazioni Meryl, questo premio è meglio di qualsiasi Oscar.

To look life in the face

2010-04-12T06:29:00.000-07:00

"Dear Leonard

To look life in the face... always to look life in the face...

and to know it for what it is.

At last, to know it, to love it for what it is,

and then, to put it away.

Leonard,

always the years between us.

Always the years. Always the love.

Always the hours."

Virginia Woolf (Nicole Kidman) in "The Hours" di Stephen Daldry

Primavera al cinema: Polanski, Damon, Adams & Aniston

2010-04-11T03:15:00.000-07:00

Week end al cinema? Se, nonostante l'inizio della primavera, alle passeggiate nel parco o ai giri in bicicletta preferite viaggiare con la fantasia al buio di una sala, non avete che l'imbarazzo della scelta. Il film della settimana è L'uomo nell'ombra, thriller hitchcockiano celebrato dalla stampa come il ritorno in piena forma di Roman Polanski. La sola presenza di Ewan Mcgregor mi condurrà a vedere questo film prima che lo tolgano dalle sale. Pierce Brosnan è uno dei peggiori attori in circolazione ma qui dovrebbe funzionare: i grandi registi riescono a far recitare anche le pietre e Polanski è sempre una garanzia di sfumature, profondità e tensione.

In America è stato un flop, ma la critica italiana ed europea lo sta celebrando alla grande: sto parlando di Green Zone, l'action-war movie che riunisce Paul Greengrass e Matt Damon, regista ed interprete degli ultimi due film sull'agente segreto Jason Bourne. Tuttavia, nonostante la camera non stia ferma un attimo e il montaggio punti a tenere gli spettatori col fiato sospeso dall'inizio alla fine, il film mi ha lasciato piuttosto freddo. Trovate la mia recensione su Loudvision al link:
http://www.loudvision.it/cinema-film-green-zone--1008.html

Dopo Julie & Julia, Amy Adams torna sugli schermi italiani con ben due film e si conferma attrice versatile e completa. Il primo titolo è la commedia Una proposta per dire sì (Leap Year), altro mezzo flop invernale nei cinema americani. Anche se l'accoppiata Adams/Matthew Goode (il boyfriend di Colin Firth in A Single Man) è abbastanza originale e stuzzicante, non si dovrebbe uscire dai binari della convenzionale (quando non trita) ricetta hollywoodiana delle commedie romantiche. Siete avvertiti.

Molto più interessante l'altro film della Adams, purtroppo distribuito solo in 27 copie su tutto il territorio nazionale. Prodotto nel 2008 dal team di Little Miss Sunshine, Sunshine Cleaning vede l'attrice americana insieme alla bravissima Emily Blunt nei panni di due sorelle incasinate che si reinventano come "pulitrici di scene del crimine" dietro lauto compenso. L'idea di partenza sembra very cool e la bravura innegabile delle due attrici dovrebbe assicurare verità e spessore.

Se siete invece in vena di totale disimpegno, sempre targato Hollywood, e siete fan di Jennifer Aniston dai gloriosi tempi di Friends, non potete perdervi Il cacciatore di ex, rocambolesca quanto assurda commedia giallo-rosa che punta tutto sul fascino sexy-natural della fidanzatina d'America (che comunque nelle commedie se la cava con dignità) e sul discutibile talento comico del rude Gerard Leonida Butler. Risultato? Mediocre, ma comunque superiore all'imbarazzante (e per certi aspetti simile) Che fine hanno fatto i Morgan? Al link seguente trovate la mia recensione.
http://www.loudvision.it/cinema-film-il-cacciatore-di-ex--1003.html

Titolo davvero imperdibile è Departures, film giapponese del 2008 vincitore lo scorso anno dell'Oscar come miglior film straniero e solo adesso distribuito in Italia.
Il prossimo week end escono Oltre le regole - The Messanger, col trio di attori da Oscar Ben Foster, Woody Harrelson e Samantha Morton e l'attesissima incursione del geniale Wes Anderson nel mondo dell'animazione in stop motion Fantastic Mr Fox.
A tutti, un buon week end!

Poster e trailer per "The Kids Are All Right"

2010-04-10T03:34:00.000-07:00

La Focus Features ha reso noti il poster e il trailer della gay dramedy sensation The Kids Are All Right, dei cui trionfi al Sundance e a Berlino ho già ampiamente parlato. Se non è ancora chiaro, muoio dalla voglia di vedere questo film. L'accoppiata Annette Bening e Julianne Moore rischia di avere lo stesso effetto esplosivo (in termini di iconografia femminista) di Susan Sarandon e Geena Davis in Thelma & Louise.

Guy Lodge del sito Incontention scrive che il film della Cholodenko rappresenta un intelligente passo in avanti nel campo delle politiche sessuali e vanta la migliore performance di Julianne Moore da otto anni a questa parte.
A questo link trovate il trailer del film:

http://www.youtube.com/watch?v=bdDSqgZ87fM

Appuntamento nei cinema americani il 7 luglio. La Focus deve pianificare una buona campagna promozionale se vorrà che l'onda lunga del film giunga fino a dicembre in zona nominations all'Oscar.

David di Donatello: 18 candidature per Virzì

2010-04-10T02:00:00.000-07:00

Saranno assegnati il prossimo 7 maggio i David di Donatello 2010, massimo riconoscimento della cinematografia italiana. Il bellissimo film di Paolo Virzì La prima cosa bella fa incetta di nominations, ottendendone addirittura 18. Segue a sorpresa L'uomo che verrà di Giorgio Diritti con 16 candidature. Vincere, l'ultimo furioso capolavoro di Marco Bellocchio, ne conquista 15, il sopravvalutato Baaria di Peppuccio Tornatore arriva a 14 e Mine vaganti di Ferzan Ozpeteck a 13. Recuperare L'uomo che verrà, già acclamato al Festival di Roma ed uscito al cinema a gennaio, è adesso un obbligo morale. Ecco le nomination nelle categorie maggiori.

Miglior film

Baaria / Mine Vaganti / La prima cosa bella / Vincere / L'uomo che verrà

Miglior regia

Marco Bellocchio, Vincere / Giorgio Diritti, L'uomo che verrà / Ferzan Ozpeteck, Mine vaganti / Giuseppe Tornatore, Baaria / Paolo Virzì, La prima cosa bella

Bellocchio for president. Ma l'uscita di Vincere risale ormai ad un anno fa e i votanti potrebbero preferire al fiammeggiante melodramma di Bellocchio l'affresco nostalgico di Virzì, molto più fresco nella memoria. In ogni caso, una bella sfida. Attenzione però al film di Diritti. Meno chance sembrano avere Tornatore (Baaria dovrebbe però vincere il David per il miglior produttore, Medusa) e Ozpeteck.

Miglior regista esordiente

Giuseppe Capotondi, La doppia ora / Marco Chiarini, L'uomo fiammifero / Valerio Mieli, Dieci inverni / Susanna Nicchiarelli, Cosomonauta / Claudio Noce, Good Morning Aman

Dispiace vedere il sorprendente La Doppia Ora nominato solo in questa categoria. Capotondi dovrebbe comunque spuntarla, ma sarebbe bello vedere premiato anche Chiarini per L'uomo Fiammifero, poetica fiaba super-indipendente.

Miglior sceneggiatura

Fortapàsc / Baaria / Mine vaganti / L'uomo che verrà / Vincere

Miglior attrice protagonista

Margherita Buy, Lo spazio bianco / Giovanna Mezzogiorno, Vincere / Micaela Ramazzotti, La prima cosa bella / Stefania Sandrelli, La prima cosa bella / Greta Zuccheri Montanari, L'uomo che verrà

Che fine ha fatto la bravissima Xenia Rappaport de La doppia ora? Non avrebbe di certo sfigurato al posto della Ramazzotti (brava ma non eccellente nel film di Virzì). Vincerà a mani basse Stefania Sandrelli, anche se sarebbe stato più giusto candidarla come non protagonista. E a quel punto la statuetta andrebbe (giustamente) alla magnifica Giovanna Mezzogiorno. Ma onore e gloria alla Sandrelli, commovente fino alle lacrime.

Miglior attore protagonista

Antonio Albanese, Questioni di cuore / Libero di Rienzo, Fortapàsc / Valerio Mastandrea, La prima cosa bella / Kim Rossi Stuart, Questioni di cuore / Filippo Timi, Vincere

Non ho ancora visto Questioni di cuore della Archibugi, ma tifo spudoratamente per l'adorabile disadattato Mastandrea ne La prima cosa bella.

Miglior attrice non protagonista

Anita Kravos, Alza la testa / Ilaria Occhini, Mine vaganti / Claudia Pandolfi, La prima cosa bella / Elena Sofia Ricci, Mine vaganti / Alba Rohrwacher, L'uomo che verrà

Giuste le candidature per le due attrici di Ozpeteck (ma anche la Savino è strepitosa). Vincerà la Occhini o la Pandolfi? Peccato per la surreale Angela Finocchiaro di Io, loro e Lara: meritava la nomination.

Miglior attore non protagonista

Il complesso degli attori non protagonisti, Baaria / Pier Francesco Favino, Baciami ancora / Marco Giallini, Io, loro e Lara / Ennio Fantastichini, Mine vaganti / Marco Messeri, La prima cosa bella

Fantastichini per Mine Vaganti dovrebbe portare a casa il David, ma "Il complesso degli attori non protagonisti" di Baaria potrebbe soffiargli il premio all'ultimo round.

E voi per chi tifate?

Per amore di Ewan

2010-04-06T04:36:00.000-07:00

Non lasciatevi ingannare dal trailer italiano: questo è un film gay, che più gay non si può. "I Love You Phillip Morris" (Colpo di fulmine - Il mago della truffa) è arrivato sugli schermi italiani lo scorso week end e si è piazzato solo al quinto posto nella classifica degli incassi. Sotto l'apparenza di commedia è un film dai mille volti, complesso e coraggioso, comico e drammatico, romantico e caricaturale, grottesco e poetico, bizzarro e disturbante. La commistione di toni non sempre funziona, ma la sincerità delle performance di Jim Carrey e Ewan McGregor e il modo assolutamente originale in cui è articolata la tematica omosessuale ne fanno un'autentica gemma.

Jim Carrey, dopo Truman Show ed Eternal Sunshine, conferma di essere uno dei più grandi attori viventi. Quella di Steven Russell, truffatore per natura disposto a tutto (ma proprio a tutto) per amore del bel biondino Phillip Morris conosciuto in carcere, è una performance mastodontica che abbraccia, con magistrale disinvoltura, un'incredibile varietà di registri (commedia, slapstick, farsa, action, romance, melo') senza perdere mai di vista l'unità e l'organicità del personaggio. Ma anche McGregor centra il bersaglio con un'interpretazione misurata, delicata ed intensa.

Su loudvision trovate la mia recensione con un approfondimento sul tema degli stereotipi e dell'identità gay.
http://www.loudvision.it/rubriche-colpo-di-fulmine-il-mago-della-truffa-identita-omosessualita-e-stereotipi--728.html

Carrey e McGregor sono definitivamente entrati nell'olimpo dei miei attori preferiti, assieme a Viggo Mortensen, Daniel Day-Lewis, Clive Owen e Jeremy Irons.

Voto: 8

My favourite Renée

2010-04-03T06:33:00.000-07:00

Ok. Forse sono stato troppo perfido. Ed ecco che ritorno sul luogo del delitto e celebro le mie tre performance preferite di Renée Zellweger (con buona pace di Bridget Jones): iconiche, stilizzate, fisicamente ineccepibili, tecnicamente ottime per tempi comici, ritmo, musicalità e complessità psicologica (soprattutto il terzo titolo).

Chicago (2002): da autentica seguace del metodo Renée brucia i chili di troppo di Bridget Jones e si modella un corpo da favola. Nel film di Marshall marylineggia con autoironia, classe e teatralità e se la cava benissimo anche col canto. Roxie Hart, ambiziosa quanto sprovveduta soubrette da vaudeville, è il cuore di Chicago, in equilibrio tra solare naiveté e sfrontata sensualità. I suoi due pezzi da solista, "Funny Honey" e soprattutto la mitica "Roxie" (con il bellissimo monologo in apertura) sono eccezionali, ma anche come buffa marionetta nelle mani di Billy Flynn in "When we both reached for the gun" è perfetta. Fa scintille l'accoppiata con quell'altro mostro di ambizione che è Catherine Zeta Jones nel ruolo della rivale Velma Kelly. Very hot.

Down with love (Abbasso l'amore, 2003): una delle mie commedie preferite, un gioiello postmoderno che ricalca, cita ed omaggia con grande intelligenza e raffinatezza le commedie anni '60 alla Doris Day e Rock Hudson. Quasi un musical, colorato e stilizzato, pur senza esserlo. Ewan McGregor è scintillante come Catcher Block, impenitente giornalista donnaiolo, mentre la Zellweger dimostra ancora una volta doti da perfetta commediante. La sua Barbara Novak, scrittrice femminista che insegna alle donne come poter fare a meno degli uomini mangiando cioccolata (incredibile il lunghissimo monologo senza stacchi in cui svela la sua vera identità) è assolutamente irresistibile. Sceneggiatura geniale e strepitosi come e più delle due star protagoniste i comprimari Sarah Paulson e David Hyde Pierce.

Nurse Betty (2000): prima dei trionfi di Bridget Jones e primo Golden Globe come miglior attrice di commedia. Fenomenale Renée nel difficilissimo ruolo di una cameriera che, traumatizzata dall'omicidio del marito, si innamora in maniera ossessiva del dottor David Ravell, il protagonista della sua soap opera preferita, e parte alla volta di Los Angeles per cercare lavoro come infermiera nel suo ospedale e far breccia nel suo cuore. La Zellweger è disarmante e commovente nel delineare il ritratto di una donna che confonde la finzione televisiva con la realtà per difendersi dagli orrori della vita vera. Bellissimo film, tra commedia grottesca, pulp, love story e road movie. Sottile, complesso e sorprendente.

La vendetta di Renée

2010-04-03T02:38:00.001-07:00

Tremate tremate, Renée è tornata. Non me ne vogliano i fan dell'attrice texana (dopotutto lo sono stato anche io: in Nurse Betty, Chicago e Down With Love è deliziosa) ma, riguardando Cold Mountain a distanza di sette anni dall'Oscar, la sua interpretazione della rustica Ruby fa venire la pelle d'oca (e non in senso buono...). Ebbene sì, Renée Zellweger si trova casualmente ad avere un Oscar in tasca solo perché l'anno prima l'Academy premiò per Chicago Catherine Zeta-Jones (piuttosto che Julianne Moore per The Hours...) e lasciò invece a bocca asciutta (e con broncio alquanto contrariato) la Roxie Foxie Hart di Renee.
Ora Renée torna per vendicarsi delle malelingue e per smentire la maledizione secondo cui l'Oscar le ha portato sfiga (a parte il secondo capitolo di Bridget Jones, non ha fatto che infilare un fiasco dietro l'altro) e torna con un film che sin dal trailer sembra urlare: datemi una seconda statuetta!!!

Non ha ancora un distributore americano ed esce in anteprima mondiale in Francia il prossimo 7 aprile: stiamo parlando di My Own Love Song, road movie diretto da Olivier Dahan (regista de La vie en rose) con Renee nel ruolo di una cantante country su una sedia a rotelle (!), Forest Withaker e Nick Nolte. Dobbiamo aspettarci una specie di Crazy Heart in versione femminile con molto più patetismo e overacting? Per di più Renée torna a cantare e i brani sono firmati nientemeno che da Bob Dylan: una candidatura per best song è quasi assicurata solo per il pedigree dell'autore. Date un'occhiata al trailer (lunghissimo, praticamente racconta tutto il film).
http://www.youtube.com/watch?v=mzroE0WPmV0

E questo è un breve estratto dal film: Renée glorificata da un primissimo piano (allarme Oscar clip!) mentre canta con gli occhioni da cerbiatta gonfi di emozione.

http://www.youtube.com/watch?v=uMkdeVYV5K0

Molta piatta e forzata la vocalità country. Ma bella l'espressione... appena smette di cantare. Quanto all'overacting di Withaker... si salvi chi può. Speriamo che l'Academy non si lasci imbambolare da questa ed altre performance (leggi la nuova Hilary Swank in arrivo): ci sono Annette Bening e Julianne Moore da premiare quest'anno.

The sheltering has begun....

2010-04-02T01:34:00.000-07:00

... he will find you.

Esce l'8 aprile nel Regno Unito Shelter, il thriller demoniaco con Julianne Moore e Jonathan Rhys Meyers. La domanda è: aspettare che esca anche da noi (...) o prendere un volo Ryan Air ed andare a vederlo a Londra? Juli ha confessato che adora il thriller sovrannaturale e che uno dei suoi film preferiti è Rosemary's Baby di Polanski. Quindi dovrebbe essersi sentita a casa tra le fosche e terrificanti atmosfere di Shelter. Date un'occhiata al trailer:

http://www.youtube.com/watch?v=oH5tPbV8qzo&feature=PlayList&p=F6B4033D0EB5A3E2&playnext_from=PL&playnext=1&index=20

Domanda numero 2: Julianne Moore e il thriller? Non le sono bastati Hannibal, Il colore del crimine e l'inguardabile Next con un altrettanto inguardabile Nicholas Cage capellone? Juli action heroine davvero non funziona, quindi speriamo bene...

Molto meglio la Moore declinata nella variante thriller psico-erotico. Chloe ha fatto un'apparizione fugace nelle sale italiane, ma Julianne è sensazionale. Per la cronaca il sofisticato film di Egoyan è uscito in America in distribuzione limitata venerdì 26 marzo: critica non proprio favorevole (51% di recensioni positive su rottentomatoes...) ma consensi dappertutto per la prova della Moore (e della Seyfried), definita fearless e terrific.

Sublime calligrafismo cinese

2010-04-02T01:05:00.000-07:00

Maggie Cheung (con Zhang Ziyi nella foto centrale) in tre splendide immagini tratte dal Wuxiapian Hero diretto da Zang Yimou nel 2002. Stamattina vorrei volteggiare tra turbini di foglie come queste due divine guerriere in rosso. Formidabile il lavoro sul colore e sulle coreografie dei combattimenti, simili a balletti di un musical: una folgorante danza di passione e morte. Uno dei più celebri (e più belli) Wuxiapian assieme a La tigre e il dragone e La foresta dei pugnali volanti. Maggie Cheung, in questo film ancora in coppia con Tony Leung (indimenticabili amanti nell'eterno In the mood for love) è magnifica.

Le leggi di Sarah

2010-03-30T10:49:00.000-07:00

Non preoccupatevi. Non ho intenzione di cambiare il nome del mio blog in Best Singer Confidential, ma in questi giorni sono perdutamente music-addicted. E dopo Barbra Streisand e Lady GaGa (e Tori Amos ed Annie Lennox nei mesi scorsi) non potevo non postare due righe sulla mia icona musicale per eccellenza. Non sto parlando di Madonna, né di Rufus Wainwright o Anthony. Ma di Sarah Mclachlan, cantautrice canadese dal timbro vocale prezioso ed inconfondibile e dalla straordinaria vena melodica, diventata famosa alla fine degli anni '90 con brani come Angel (dal soudtrack di City of Angels), Adia e I will remember you.

Un talento raro e poco prolifico: in 20 anni di carriera solo 5 album in studio, cui bisogna aggiungere però 2 album live, ep, remix, raccolte di b-sides, cover, collaborazioni varie ed un bellissimo cd natalizio, Wintersong, del 2006. L'esordio è datato 1988 con l'etereo e vaporoso Touch, in cui una Mclachlan appena ventenne cerca di costruirsi un'immagine da raffinata chanteuse pop sulle orme di Kate Bush. L'album è acerbo e ripetitivo negli arrangiamenti (quasi sempre dominati da tastiere e percussioni) ma Out of the shadows, Vox e l'elegia funebre Ben's Song sono suggestive e rivelano una voce affascinante, capace di voli raffinatissimi nel registro di testa. Segue il misterioso, oscuro e malinconico Solace (1991), in cui inizia a predominare la componente folk acustica. The path of thorns e Into the fire (brano molto alla Sinead O' Connor) restano le canzoni più famose, ma Black ha una ossessiva costruzione circolare che toglie il fiato. La linea melodica è umorale, sincera ed intimistica, mai disgiunta dal significato del testo, e la voce morbida, delicata, calda ed ombrosa domina dall'inizio alla fine come il canto triste di una sirena seducente e compassionevole.

Il successo arriva con l'album successivo, ad oggi il suo migliore, Fumbling Towards Ecstasy (1994), ipnotico, sfaccettato e scintillante, in cui alla componente acustica si affianca una dimensione soft-rock elettronica in efficace contrasto con la vocalità vellutata della Mclachlan. Cifra stilistica della voce diventano i vertiginosi scivolamenti dal registro di petto a quello di testa mentre gli arrangiamenti del produttore Pierre Marchand puntano a creare un landscape musicale interiore tortuoso, teso e sottilmente inquietante. Se la voce accarezza e conforta, il pavimento sonoro è affilato come un rasoio e le melodie, mai banali, pescano nel fondo dell'anima ed illuminano senza paura zone oscure e ferite lancinanti. Elettrizzanti Possession e Fear, struggente Elsewhere, devastante Hold on (una della canzoni più belle che siano mai state scritte sull'aids), gotica Ice, dolcissima Good enough, mistica e liberatoria la title-track.

La consacrazione avviene nel 1998, con il Lilith Tour e l'album Surfacing, 8 milioni di copie vendute nel mondo e 2 grammy awards: una sofisticata raccolta di canzoni scritte in punta di penna e degna di Blue, l'album-capolavoro di Joni Mitchell, forse il punto più alto del songwriting confessionale americano. Asciutta, intensa ed ispirata la Mclachlan distilla due perle radiofoniche soft rock come Building a mistery e Sweet Surrender, la catartica, meravigliosa ballata per chitarra e piano Adia (la canzone della mia vita...) e la sublime Angel, un pezzo al pianoforte di siderale lirismo ormai entrato nella storia della musica. Il panorama musicale tratteggiato da Surfacing è come il quadro impressionista di un cielo nuvoloso che si sta rischiarando, qua e là (ancora) squarciato da improvvise, tempestose chitarre elettriche. Prevalgono le tonalità pastello con venature cupe e malinconiche e la ricerca della "bellezza nella tristezza" si afferma come canone estetico fondamentale.

A sette anni di distanza dall'ultimo album in studio Afterglow del 2003, molto simile a Surfacing per struttura ed ispirazione e degno di nota soprattutto per i brani di apertura e chiusura, Fallen e Dirty Little Secret, la Mclachlan ha annunciato la pubblicazione di un nuovo cd di materiale inedito, The Laws of Illusions, prevista per il prossimo 15 giugno, cui seguirà la ripresa del Lilith Tour.

Per chi voglia accostarsi alla sua musica per la prima volta, nel 2008 è uscita la raccolta Closer contenente anche due inediti molto belli, U want me 2 e Don't give up on us. Non fermatevi al primo ascolto. Se sentite riecheggiare Dido state certi che è quest'ultima ad aver copiato tutto. La musica e la voce di Sarah entrano sotto pelle lentamente, in punta di piedi. Sembra che chiedano il permesso. Ma vale la pena di farli entrare. Una volta dentro, sono un tesoro inestimabile.

GaGa. This Lady rocks

2010-03-30T02:35:00.000-07:00

Ma avete visto il nuovo video di Lady GaGa Telephone featuring Beyoncé? 9 minuti e 30 di sublime trash-pop colorato, irriverente e di raffinatissimo cattivo gusto orchestrato da quel geniaccio di Jonas Akerland. Gustosissima la citazione nel finale a Thelma&Louise con GaGa e Beyoncé velenose assassine dei rispettivi amanti che fuggono in auto mascherate da irresistibili vedove gangster. Telephone prosegue la storia dell'altro incredibile video di Lady GaGa, Paparazzi, sempre diretto da Akerlund. Assieme a Bad Romance, il singolo che ha fatto da battistrada alla riedizione del suo cd The Fame Monster, sono i tre brani in rotazione continua nel mio ipod durante il footing pomeridiano. Ferdi GaGa?

E pensare che fino a poco tempo fa giudicavo snobisticamente questo fenomeno come uno dei soliti prodotti costruiti a tavolino dall'industria discografica per vendere musica di plastica. Ma la ragazza sa cantare. In genere si pensa che chi gioca così tanto con la propria immagine lo faccia per sopperire alla carenze artistiche. Ma non è questo il caso: la combinazione di talento ed immagine (quanto sincera ed autentica sarà il tempo a dirlo) nel fenomeno Lady GaGa ha un che di esplosivo e sorprendente.

Non si può certo dire che la ragazza non faccia spettacolo, frullando suggestioni da Madonna (nel trasformismo e negli espliciti riferimenti sessuali) e da un Marylin Manson addomesticato (nell'estetica freak ironicamente disturbante), mentre dichiara apertamente che tra le sue fonti di ispirazione ci sono anche David Bowie e i Queen. Vocalmente è un mix tra Christina Aguilera e Gwen Stefani, ma senza gli eccessivi virtuosismi della prima e con molte più carte da giocare della seconda. Sentitela cantare dal vivo: che siano performance acustiche al pianoforte delle sue hit (Poker Face acustica è di gran lunga superiore alla versione dance, un divertissement da applausi; Speechless è una ballad stupenda ed anche Paparazzi, che resta forse il suo brano migliore, è ancora più drammatica ed inquietante) o esibizioni live con tanto di orchestra e coreografie da musical, Lady GaGa divora il palcoscenico e canta in maniera (spesso) sensazionale.

Al pianoforte sembra di rivedere una Tori Amos aggressiva, teatrale e sensuale, ma con molta più voce ed un talento musicale ugualmente straordinario. E sulla scena ha l'energia di una Madonna con molti anni in meno. Ma qual'è la vera Stephanie Germanotta alias Lady GaGa? La brillante ragazza al piano o la scatenata performer che fa di tutto per scioccare il pubblico con i suoi allestimenti eccessivi e i suoi travestimenti deliranti?

Lo capiremo nelle prossime trasformazioni. Per adesso non si può certo dire che non abbia fatto centro. Che l'immagine/confezione sia stata imposta e studiata dalla casa discografica per trovare un modo per rendere vendibile la sua non proverbiale bellezza (anche se Stephanie è molto più carina di come appare conciata nei video) o sia tutto farina del suo sacco per adesso poco importa. Lasciamo che Lady GaGa continui ad intrattenerci e a stupirci. Gli artisti esistono per questo.

Titanica Kate

2010-03-29T04:41:00.000-07:00

Rose DeWitt Bukater è ad oggi la performance più emozionante di Kate Winslet. Certo, tecnicamente è inferiore alle prove fornite in Revolutionary Road e The Reader, e la Clementine Kruczynski di Eternal Sunshine resta un capolavoro di autenticità in brillante equilibrio tra commedia surreale e dramma. Ma il modo in cui la Winslet riesce a rendere credibile il percorso del suo personaggio nel kolossal di Cameron, dal desiderio di ribellione contro le costrizioni imposte dalla casta all'amore improvviso per il vagabondo di terza classe Jack Dawson, fino all'incredibile, impossibile destino di sopravvivenza, ha un che di prodigioso.

L'altra sera, a parecchi anni di distanza dall'ultima visione, mi sono rituffato nelle acque del Titanic e ne ho potuto godere ancora una volta l'immenso, vorticoso spettacolo. Cameron è un maestro nel gestire le fila di un racconto popolare che non può non arrivare al cuore di chiunque, proprio perché facile ed immediato (proprio come in Avatar). Ma al di là dell'impianto spettacolare ancora oggi stupefacente, il film non avrebbe funzionato senza l'alchimia tra DiCaprio e la Winslet. DiCaprio è ebbro di gioventù, tutto febbrile temperamento e disarmante naiveté, ma il cuore del film restano il personaggio di Rose e la performance dell'attrice, fulcro della focalizzazione narrativa e tramite principale per l'immedesimazione degli spettatori. Da incatenata signora dell'alta società a travolgente eroina melodrammatica che sceglie il proprio destino: una performance fisica imponente, che cavalca romance, drama e disaster movie con estrema disinvoltura e commovente naturalezza. L'Oscar andò ad Helen Hunt per Qualcosa è cambiato. A voi ogni ulteriore commento .

Jim Carrey e Ewan McGregor coppia gay per Pasqua

2010-03-29T04:35:00.000-07:00

Presentato al Sundance e a Cannes lo scorso anno I love you Philip Morris di Ficarra&Requa, bizzarra commedia omo con la coppia Jim Carrey - Ewan Mcgregor, esce finalmente in Italia il prossimo week end. Stoltamente ribattezzato dalla distribuzione italiana Colpo di fulmine - Il mago della truffa, il film è stato debitamente (e scandalosamente) ripulito dalle scene più hot tra i due coraggiosissimi protagonisti. Gli stessi tagli erano già stati effettuati per la distribuzione internazionale. Ovviamente il titolo italiano tende a sviare il pubblico vendendo l'aspetto comico del film, piuttosto che quello rocambolescamente romantico e gay. Nonostante questo, Colpo di fulmine resta l'uscita più interessante del week end pasquale e ci restituisce un Jim Carrey in grandissima forma.

Altri titoli interessanti delle feste sono Il piccolo Nicolas e i suoi genitori, gioiellino francese d'annata, e l'apprezzato film d'animazione in 3D Dragon Trainer, già balzato in vetta al box office ma con risultati inferiori alle aspettative. Evitare accuratamente Daddy Sitter, terribile, imbarazzante commedia con le vecchie glorie John Travolta e Robin Williams. E per chi non può fare a meno del cinema italiano, se avete già visto Mine Vaganti, c'è sempre Happy Family di Salvatores.

Più interessanti le uscite post-Pasqua, con il ritorno di Roman Polanski e il thriller L'Uomo nell'ombra, il cartoon in stop motion Fantastic Mr Fox, The Messanger e Agorà.

Eat Pray and Love Julia

2010-03-29T03:55:00.000-07:00

Esce il 13 agosto in America (da noi ad ottobre) l'adattamento cinematografico del bestseller Eat Pray Love di Elizabeth Gilbert, la storia di una donna che, dopo il divorzio, intraprende un viaggio alla ricerca di se stessa in tre le tappe: Italia (eat), India (pray) e Bali (love). Al di là del rischio di scivolare in una filosofia new age a buon mercato, non so se è più preoccupante lo schematismo di fondo (prepariamoci alla solita galleria di stereotipi sull'Italia) o il fatto che la storia sia biografica. La regia affidata al Ryan Murphy di Correndo con le forbici in mano (e Nip & Tuck) dovrebbe tenere a freno il grondante sentimentalismo in agguato, ma l'unico motivo per andare a vedere Eat Pray Love è Julia Roberts, in un ruolo a tutto tondo che dovrebbe permetterle di passare dalla commedia al dramma al romance come non le capita ormai da (troppo) tempo. Dopo il parziale fiasco di Duplicity, Julia potrebbe tornare a reclamare il ruolo di regina della commedia romantica scippatole negli ultimi anni da Sandra Bullock. E se lo merita. A parte il magico sorriso e l'insolita bellezza che ha il sapore del cinema da qualsiasi lato la si guardi, Julia è anche brava: rivedere (almeno) le sue performance in Erin Brockovic, Closer e Mary Reilly.

http://www.youtube.com/watch?v=iZzmqHJ0gPU

Barbra Streisand, playlist d'amore

2010-03-26T06:18:00.000-07:00

Da tre giorni domina incontrastata la mia playlist sull'ipod. Preoccupante mood nostalgico? Di certo il mio ritorno di fiamma per una delle icone assolute della musica e del cinema americano è dovuto ad un'urgenza emotiva: entrare in contatto anche solo per una manciata di minuti (giusto il tempo di una canzone) con la pienezza della vita. Farne esperienza, consumarla. E ricominciare daccapo, goderne di nuovo la bellezza nel suo insieme traboccante di senso. La voce della Streisand, con il suo calore, la sua corposità, la purezza del fraseggio, il filo di voce inarrivabile e le strazianti aperture in belt, ti accompagna in questo viaggio e non ti lascia più. Un viaggio profondo che parte da dentro per poi aprirsi all'esterno con gioia infinita. La sua voce è il viaggio. E' la vita.

The way we were (Come eravamo) è non solo uno dei film del cuore del mio caro amico Jo, ma anche il titolo di una delle canzoni più belle che siano mai state scritte. Ed è naturalmente la potenza espressiva della Streisand che la rende così speciale, nostalgica e struggente. Assieme a Papa can you hear me? dal film Yentl è probabilmente la sua più grande performance vocale. Chiunque veda in questi giorni in metropolitana o per le strade di Roma un deficiente con le cuffie nelle orecchie, l'espressione in equilibrio tra estasi, beatitudine e tormento e gli occhi gonfi di pianto, ebbene quello sono io con la voce della Streisand nel cervello. Meglio di qualsiasi droga.

Subito dopo la straziante preghiera ebraica di Yentl a lume di candela, la playlist impone una sterzata di ritmo e si colora di moderna sensualità pop anni '80 con A woman in love. Ed ecco che il deficiente nerd di prima vince ogni pudore e si mette irrimediabilmente a cantare a squarciagola ovunque si trovi: al supermercato, sulle scale di casa o per le strade che sembrano deserte ma potrebbero nascondere sostenitori di Forza Nuova. Con tutti i rischi che ne conseguono.

Ma con la sensazione della Vita che dalla testa ti attraversa il corpo e riesce ad infonderti almeno un po' della sua energia e della sua forza cosa ha davvero importanza? Nulla, tranne l'amore. Lo dice anche Madonna (Nothing really matters, love is all we need), quindi bisogna crederle.

Per la cronoca dopo la Streisand seguono in playlist One Night Only di Jennifer Hudson e Listen di Beyoncé dal soundtrack di Dreamgirls. Chi non piange a sentire questi pezzi è una pietra. Si conclude con l'immancabile My heart will go on. Sarà mica che mi sono innamorato?

Glenn Close torna al cinema

2010-03-25T16:10:00.000-07:00

Mentre la terza serie di Damages riscuote un successo (di critica) strepitoso in America (confermo: la prima puntata è davvero mozzafiato) arriva la notizia che Glenn Close tornerà al cinema in un ruolo che profuma di Oscar. Si tratta dell'adattamento cinematografico del dramma The Singular Life of Albert Nobbs, storia di una donna che nella Dublino del XIX secolo si finge uomo per sopravvivere e lavorare come maggiordomo in un hotel di lusso. La Close, che ha già interpretato questo ruolo a teatro vincendo un Obie Award nel 1982, sarà anche sceneggiatrice e produttrice. Dietro la macchina da presa Rodrigo Garcia, che ha diretto l'attrice in Le cose che so di lei e 9 vite di donna. L'inizio delle riprese è previsto per luglio.

Ha vinto tutto Glenn Close: tre Tony Awards (The Real Thing, La morte e la fanciulla, Sunset Boulevard), un Obie (Albert Nobbs), tre Emmys (Serving in Silence, Damages 1 e 2) due Golden Globes (The Lion in Winter, Damages 1) e un Screen Actor Guild (The Lion in Winter). Tutto tranne l'Oscar. Qualche anno fa si era parlato di un'adattamento per il grande schermo del musical Sunset Boulevard: per il ruolo di Norma Desmond si era fatto il nome di Glenn Close e Barbra Streisand. Ma il progetto è stato abbandonato. Dopo i trionfi di Damages, Albert Nobbs potrebbe essere finalmente l'occasione giusta per tornare in gara agli Oscar: se la Close riesce a strappare la sua sesta candidatura è fatta. Patty Hewes non perde mai.

The Best of Nicole Kidman

2010-03-25T02:45:00.000-07:00

Da morire (To Die For, 1995): ritratto al vetriolo della provincia americana e delle deformazioni indotte dalla fruizione incontrollata del mezzo televisivo. Nel ruolo di Suzanne Stone, arrivista senza scrupoli disposta a tutto pur di diventare famosa, la Kidman esplode rivelando uno smagliante talento comico e un'eccellente padronanza nel gestire le trasformazioni del personaggio: barbie finto-ingenua, squallida dark lady di provincia, squalo assetato dei quindici minuti di notorietà di warholiana memoria. Performance strabiliante e multistratificata. La Kidman ha tutto: stile, tempi e carisma. Gustosa ed agghiacciante la citazione da Viale del tramonto.

Ritratto di signora (Portrait of a Lady, 1996): splendido incontro di sensibilità artistiche, Henry James, Jane Campion e Nicole Kidman, per uno degli adattamenti letterari più belli degli ultimi vent'anni. L'attrice si spoglia dell'allure hollywoodiana e diventa Isabel Archer, signora dell'ottocento in lotta tra desiderio d'amore (masochistico) ed aspirazione alla libertà. Musica sublime di Wojciek Kilar (lo stesso del Dracula di Coppola, per intenderci). Nessuna scena madre, intensità alle stelle, finale meraviglioso. Per il secondo anno consecutivo è snobbata dalle candidature agli Oscar.

Eyes Wide Shut (1999): dopo il successo in teatro a Londra con The Blue Room diretta da Sam Mendes, è il film della svolta. Nel girotondo imperfetto ma ipnotico e vagamente psicanalitico orchestrato da Kubrick partendo dal Doppio Sogno di Schnitzler la Kidman perfora lo schermo con una performance di erotica, misteriosa complessità. Il monologo in cui confessa al marito il suo sogno di infedeltà vale da solo tutto il film. La profondità visiva di Kubrick e la sua New York notturna e labirintica sono abbaglianti ma è lo sguardo della Kidman che trafigge e resta impresso nella memoria.

The Others (2001): ispirata rivisitazione dell'horror gotico con un turning point alla Sesto Senso. Ma il film di riferimento di Amenabar è Suspence (The Innocents) di Jack Clayton, capolavoro assoluto del 1961. Una casa circondata dalla nebbia, due bambini pallidi e malati, una donna sola ed impressionabile, strane presenze. Cult movie. La Kidman va a scuola di stile da Grace Kelly e Deborah Kerr e sforna la sua performance drammatica per eccellenza. Mirabile.

Moulin Rouge (2001): è il suo anno. Dopo il gotico spagnolo arriva il musical forsennato di Luhrmann e la consacrazione a star del momento. Nel ruolo di Satine la Kidman canta, balla e recita in assoluto stato di grazia, passando con magistrale disinvoltura dal travolgente vaudeville della prima parte al fiammeggiante melo' della seconda. L'obiettivo di Luhrmann la venera come una dea. E forse lo è. I capelli rosso fuoco omaggiano Rita Hayworth in Gilda e la Kidman si conquista un posto al suo fianco fra le grandi seduttrici del cinema. Prima nomination, ma l'Oscar
va ad Halle Berry.

The Hours (2002): l'Oscar riparatorio arriva per il bel film di Stephen Daldry anche se la sua interpretazione è la meno sorprendente e suggestiva delle tre (a parte il trucco ed il consumato trasformismo). La Kidman traduce il genio oscuro della Woolf nel fremito dello sguardo e nella tensione febbrile della mano che percorre il foglio bianco e dà corpo alle visioni. Ammirevole l'asciuttezza drammatica. Ed elettrizzante la scena alla stazione, in cui sembra davvero completamente dentro la parte.

Cold Mountain (2003): classico melo' western di pregevole fattura. Per la prima volta la Kidman sfiora la maniera: l'attrice è troppo avanti con gli anni per essere davvero credibile come oggetto d'amore del giovane disertore Inman e più che il personaggio Ada Monroe vediamo la diva Kidman avvolta da un'aura da star d'altri tempi. Mistcasting a parte, è sempre bellissima ed intensa. Molto bello il momento visionario del presagio funesto in fondo al pozzo e l'incontro dei due amanti nella neve. Ed originale la riflessione sulla natura irreale del desiderio e dell'amore suggerita dal film.

Dogville (2003): la Kidman mette la sua bellezza salvifica nelle mani del folle Von Trier per un impietoso e metaforico pamphlet contro l'America travestito da raffinato studio sul rapporto tra cinema e teatro. Grace è un'altra creatura femminile debole, vessata e sfruttata dalla crudeltà e dall'egoismo degli altri, ma questa volta reagisce in un finale terrificante che capovolge la prospettiva. Prova sublime della Kidman: tecnica eccellente, precisione millimetrica nella gradazione emotiva, cuore pulsante.

Birth (2004): affascinante e kubrickiano studio d'ambienti immerso in atmosfere da horror psicologico. Kidman senza paura in una delle sue performance più complesse e rischiose ama il piccolo Cameron Bright, forse la reincarnazione del suo defunto marito. Estenuante primo piano sul volto dell'attrice impossibile da dimenticare. Sospeso, torbido e disturbante.

Il matrimonio di mia sorella (Margot at the wedding, 2007): commedia velenosa su una famiglia che più disfunzionale non potrebbe essere. Scrittrice antipatica e dalla vita affettiva disastrosa, Margot porta la tempesta in casa della sorella Pauline prossima alle nozze. Autentiche Kidman e Jennifer Jason Leigh ma è il ritratto appuntito e sfaccettato di Margot che catalizza il film e conquista gli spettatori pur nella sgradevolezza e nella crudeltà del personaggio.

In attesa di Rabbit Hole e The Danish Girl quali sono secondo voi i ruoli più belli e le migliori performance di Nicole Kidman?

Il monologo finale di Lea de Lonval in "Cheri"

2010-03-24T03:11:00.000-07:00

All'ennesima visione Chéri rivela ormai senza paura la sua anima di tragedia del tempo e di rassegnato canto funebre. Chi non se ne è accorto ed è rimasto fermo alla superficie frivola e solare corra ai ripari. Il fulcro drammatico su cui poggia l'ultimo film di Stephen Frears è lo stesso conflitto che assedia e tormenta Lea de Lonval: una dialettica stringente tra l'eterno "assaggio di giovinezza" legato alla sua professione e all'amore per il giovane (corpo di) Chéri e l'inesorabile affacciarsi della morte. Nel monologo finale di Lea ogni illusione d'amore svanisce alla luce crudele del mattino che rivela l'immaturità di lui e i segni sul volto di lei. Lea ha il coraggio di guardarsi in faccia e di vedere chiaramente la realtà per la prima volta: l'unico amore possibile per due cuori votati al piacere non è destinato ad essere semplicemente perché ormai "è troppo tardi".

Michelle Pfeiffer, nel suo ruolo più bello da L'età dell'innocenza ad oggi, soppesa senza fretta ogni parola e lascia lentamente affiorare l'emozione. E' un momento magico perché l'attrice tocca corde profondissime con assoluta semplicità e limpidezza. Ed anche se il tono è rasserenato, sul fondo strisciano morte ed oblio. Un canto funebre della bellezza. Del personaggio e dell'attrice.

Lea: "Sei venuto per vedermi e hai trovato una donna vecchia. Sì, è così. Hai trovato una vecchia. Non piangere. Perché piangi? Sapessi quanto ti sono grata. Eri davvero innamorato di me? Ero così buona ai tuoi begl'occhi? Se fossi stata così buona avrei fatto di te un uomo, invece di pensare soltanto al tuo piacere e alla mia felicità. Non avrei cercato di tenerti tutto per me. Guardami. Hai ragione. Per le qualità che ti mancano suppongo di essere io la colpevole. Ma trent'anni di vita facile mi hanno resa molto vulnerabile. Quindi no, non ti ho mai parlato di un possibile futuro, perdonami. Ti ho amato come se dovessimo morire da un momento all'altro. Ti ho portato nel mio cuore per così tanto tempo. Avevo dimenticato che un giorno avresti dovuto assumerti la tua parte di carico, una giovane moglie e magari anche dei figli. E così finirai per soffrire. Sentirai la mia mancanza e dovrai trovare dentro di te saggezza, equilibrio e tolleranza per non causare sofferenza agli altri. Sì, è così. Hai avuto un assaggio di giovinezza. Non ti appagherà mai, ma vorrai sempre tornare da lei per averne di più. E' meglio che tu vada. Io ti amo, ma è troppo tardi. Quindi ora vestiti ed esci da questa casa".

Lo sguardo di Lea nel primo piano finale è quello di chi non ha più nessuno da amare e più nulla in cui sperare. Lea non deve prepararsi all'incontro con la morte. Lei è già lì. Nei suoi occhi la vediamo lentamente avvicinarsi.
Inarrivabile Michelle Pfeiffer. Incarnazione della bellezza al pari di Catherine Deneuve o Isabelle Adjani. Ed attrice dal talento incomparabile. Il ruolo di Lea de Lonval non può non richiamare alla memoria la Madame Olenska de L'età dell'innocenza. Non una cortigiana, ma una donna ugualmente scandalosa, con un matrimonio sbagliato alle spalle ed il coraggio di lottare contro le convenzioni sociali. Per amore e per la propria libertà.

Di una bellezza sovrumana l'inquadratura in cui, durante il ricevimento in suo onore dai Van der Luydens, Ellen osa sfidare le regole dei salotti newyorchesi ed abbandona la compagnia di un gentiluomo per andare incontro a Newland Archer. Il carrello, il ralenti e lo splendore della Pfeiffer creano un momento di rara magia. Ellen-Lea-Michelle 16 anni fa, nel pieno della sua sensualità e del suo mistero. Sedici anni dopo lei è sempre immensa. E' il cinema che è diventato troppo piccolo. Forse non ci meritiamo tanta incantevole grazia.

"Shame on you!" - Julianne Moore in Magnolia

2010-03-24T02:37:00.000-07:00

"Figlio di puttana...! Maledetto stronzo brutto pezzo di merda... ma chi cazzo sei? Ma chi cazzo ti credi di essere? Io vengo nel tuo negozio, tu che ne sai di me? Non sai chi cazzo sono, come sia la mia vita ed hai la faccia di culo di ficcare il tuo naso sporco di merda nel mio inferno privato? E levati dal cazzo anche tu e non chiamarmi signora! Io arrivo qui, vi dò le mie ricette, voi controllate, fate... fate le vostre telefonate, mi guardate con sospetto, mi chiedete... senza sapere che io sono malata! Tutto ciò che ho di più caro al mondo è malato! E voi mi fate domande sulla mia vita... Stronzi, che cos'ho che non va? Avete mai avuto la morte nel letto? Nella vostra casa? Ma non ce l'avete un po' di decenza? Voi e le vostre domande del cazzo! Che cosa c'è... che non vaaaaaa!!! Stronzo succhiami il cazzo! Ecco che cosa c'è che non va! E tu hai l'ipocrisia di chiamarmi signora? Dovreste vergognarvi! Dovreste vergognarvi! Dovreste vergognarvi tutti e due!"

Linda Partridge (Julianne Moore) in Magnolia di Paul Thomas Anderson

La scena della farmacia è il cuore del torrenziale affresco di dolori, miserie e solitudini losangeline tratteggiato da Anderson in Magnolia e uno dei momenti più alti della carriera di Julianne Moore. L'attrice modella la sua performance sullo stile vigoroso, eccessivo e debordante che il regista imprime al materiale narrativo e si abbandona al dolore (e al turpiloquio) del suo personaggio come non ha mai fatto prima. E' come se la sofferenza trattenuta, la rabbia inespressa e la frustrazione latente di tutti gli altri suoi personaggi rompessero gli argini e trovassero finalmente una via d'uscita in questa performance.

Sublime quando lavora sulle sfumature, sulla negazione del sé e sui conflitti interiori, in Magnolia la Moore cambia registro ed abbraccia il dramma nel senso più totale/teatrale del termine, rischiando patetismo ed over-acting. Mantenere una tensione ed un livello emotivo esterno così alto per due ore di pellicola è impossibile (ci proverà in Freedomland-Il colore del crimine, nel quale senza alcuna direzione registica sbanda come un cavallo di razza lasciato allo sbaraglio). Ed infatti il ritratto di Linda funziona proprio perché schizzato in poche scene che vanno ad incastrarsi in quel mosaico musicale di vite distrutte orchestrato da Anderson con tanta generosità e acume drammaturgico.

Se il personaggio è una scheggia impazzita, l'attrice non perde mai (davvero) il controllo. Con quello sguardo obliquo e quella tensione nervosa che esplode in modo deflagrante e definitivo, Julianne Moore vampirizza l'obiettivo della macchina da presa. E conquista gli spettatori. Il risultato è memorabile: una performance irripetibile e straziante.

Delizioso Petit Nicolas

2010-03-23T10:53:00.001-07:00

Tratto dai racconti illustrati Le Petit Nicolas apparsi per la prima volta nel 1959 e diventati un classico della letteratura francese per ragazzi al pari del nostro Gianburrasca, Il piccolo Nicolas e i suoi genitori esce nei cinema italiani il 2 aprile dopo lo straordinario successo in Francia.

Si ride, si sogna e si respira una bella boccata di aria fresca in questo piccolo film. Il merito è tutto del regista e sceneggiatore Laurent Tirard che con acume e sensibilità è riuscito a trasferire sullo schermo la poesia e l'umorismo delle vignette originali (nate dalla fantasie dell'autore René Goscinny e dell'illustratore Jean-Jacques Sempé) ed ha guidato un cast di attori-bambini irresistibili. Con le sue atmosfere retrò, i suoi buffi personaggi (la banda di amici del piccolo Nicolas è impagabile, soprattutto il secchione Agnan e il miliardario Geoffroy con un debole per i travestimenti) e le non poche trovate originali sia narrative che visive, Il Piccolo Nicolas non può che conquistare gli spettatori di ogni età.

La nostalgia per un tempo in cui tutto è bello e possibile è dietro l'angolo. Ed è questa la carta vincente del film: la rappresentazione di un mondo visto ad altezza di bambino. Un mondo fiabesco, illusorio e perfetto, dove non c'è posto per il realismo. "La mia vita è così bella che non voglio assolutamente che cambi", dice Nicolas all'inizio del film. Ed è così che tutti ricordiamo la nostra infanzia. Film garbato e gentile che non esita ad affrontare anche temi oscuri ma lo fa senza traumi e scossoni, Il piccolo Nicolas dà vita a (belle) immagini che ci raccontano e ci ricordano il senso del gioco, la fantasia sfrenata, il gusto dell'avventura e la cattiveria dell'infanzia. Come eravamo o come avremmo voluto che sia? Non importa, ma sfido chiunque, grande o piccolo, a non riconoscersi almeno in uno di questi adorabili personaggi.

Voto: 7